当今的波斯艺术和建筑与伊朗国家有关，通常被指定为从阿契美尼德帝国（公元前 550-330 年）开始的，但其历史甚至更长，其起源可以追溯到波斯人抵达公元前 3 千年的某个时候的伊朗高原。

波斯艺术和建筑很早就受到该地区埃兰和苏西亚娜的古老文明以及邻近的美索不达米亚的影响。早期的埃兰艺术作品侧重于对动物的描绘以及几何和富有想象力的设计的使用，而苏萨的艺术反映了这种范式，但通过对狗的表现进行了扩展。

事实上，狗似乎是 Susiana 最受欢迎的艺术代表之一。这一时期的纪念性建筑在Chogha Zanbil（以前称为 Dur Untash）遗址中得到了最好的体现，那里有高耸的金字塔和墙壁以及更朴素的结构，在设计和建造方面表现出同样的关怀。这些相同的技术和设计，减去 ziggurat，后来会影响波斯的作品。

在 C 公元前 550 年，居鲁士大帝（公元前 550-530 年）建立了阿契美尼德 帝国，其艺术作品借鉴了过去的模型并加以改进。阿契美尼德艺术和建筑的最好的例子是废墟和作品中的波斯波利斯，首都城市规划并开始大流士一世（河522-486 BCE）和主要由他的儿子完成薛西斯一世（河486-465 BCE） 早期的埃兰建筑——如乔加赞比尔——是用泥砖建造的，但阿契美尼德人主要用石头建造，装饰着华丽的浅浮雕。阿契美尼德的珠宝由贵金属制成——通常是黄金 – 和宝石，展现出令人印象深刻的工艺水平。

波斯艺术在萨珊王朝的统治下达到了顶峰，他们创造了一些古代世界最伟大的纪念碑和艺术作品。

波斯艺术势头在塞琉古帝国时期（公元前 312-63 年）有所减弱，但在帕提亚帝国（公元前 247 年 - 公元 224 年）期间复兴，并在萨珊王朝（公元 224-651 年）的统治下达到顶峰其前辈的历史创造了一些古代世界最伟大的纪念碑和艺术作品。公元 651 年萨珊帝国沦陷于 人之手后，波斯艺术创新继续影响着 世界的艺术和建筑，如今，其中许多已成为 艺术概念的代名词。

Elam & Susiana 的早期作品

在公元前第三个千年之前的几千年里，苏西亚纳地区居住着游牧和半游牧民族，他们最终在公元前 4395 年左右定居并建立了苏萨市。埃兰人此时已经在该地区，他们在乔哈博努特的定居点可以追溯到公元前。公元前 7200 年。这些人在伊朗高原的生活交替受到美索不达米亚的苏美尔人和扎格罗斯山脉高地部落的影响。学者 Pierre Amiet 指出：

当山地和高原的人民在公元前第三个千年实现统一时，他们能够将拥有高度发达的城市文明的苏西亚纳纳入一个强大的国家，这是伊朗历史上第一个有记载的文化和政治实体：埃拉姆 （哈珀，2）

到这个时候，该地区已经发展出一种艺术，现在被称为原始埃兰，主要集中在动物的描绘上。Amiet 指出，“动物经常被人取代，有时在可能会引发寓言的明显幽默场景中”（哈珀，3-4）。到公元前 5500 年，在胡齐斯坦遗址（如乔加米什和德鲁兰的 Tepe Sabz 遗址）的陶瓷器皿上描绘了狗。最大的狗装饰陶瓷收藏来自苏萨，这表明原始埃兰人继续专注于艺术中的动物表现。

原始埃兰时期在早期王朝时期（公元前 2099-2334 年），特别是在第三王朝时期（公元前 2600-2334 年）美索不达米亚的侵占结束，当时苏美尔国王如 Eannatum（公元前 2500-2400 年）征服埃拉姆。此时美索不达米亚的影响在代表人物的雕像中很明显，最显着的是放置在圣所中代表公共奉献精神的崇拜者雕像。

阿卡德帝国在阿卡德的萨尔贡（公元前 2334-2279 年在位）统治下进一步推进了该地区艺术中的美索不达米亚主题，在建筑方面，这种影响在乔加赞比尔的伟大建筑群中表现得最为明显，建于安塔什-纳皮里沙统治时期（公元前 1340 年）。

Chogha Zanbil 是一座美索不达米亚的金字形神塔，周围有寺庙和墙壁。这座位于苏萨东南 19 英里（30 公里）处的建筑群由烤粘土砖制成，上面刻有埃兰语的短语、赞美和诅咒，试图统一埃兰的不同地区，以崇拜守护神 Inshushinak苏萨。虽然在性格上肯定是埃兰人，但乔加·赞比尔借鉴了美索不达米亚的图案和建造方法，这些图案和方法后来在波斯艺术和建筑中得到了发展。早期阿卡德和苏美尔圆柱印章的影响在比乔加赞比尔更早的埃拉姆艺术作品中也很明显 - c。公元前 2200 年 - 在公共场景中描绘了各种神灵和人物，这些图案后来由波斯人开发。

尽管波斯人在公元前 3 世纪到达，但他们在 1 世纪之前就已牢固地定居在靠近埃兰的法尔斯（帕尔斯），该地区以他们的名字命名。当居鲁士大帝在公元前建立阿契美尼德帝国时。公元前 550 年，他利用过去悠久的文化——此时还包括中位数的贡献——来鼓励现在被称为波斯艺术和建筑的东西。

阿契美尼德艺术与建筑

阿契美尼德帝国最著名的艺术品来自被称为奥克苏斯宝藏的藏品；发现了大量制作精美的作品 c 公元1877年葬于奥克苏斯河北岸。该系列包括硬币、碗、小雕像和小雕像、珠宝、水壶和金牌。尽管其中一些物品的真实性在过去受到质疑，但目前学术界的共识是，它们都是阿契美尼德时期的真正文物，很可能是从附近的一座寺庙中取出并在众多动荡时期之一为安全而掩埋的该地区的。

部分作品的设计和工艺错综复杂，展示了非凡的冶金技艺，最引人注目的是臂章、小雕像和带有马匹和人物的金色战车模型。尽管这个模型尚未完成，但马的马具、车轮和战车本身的装饰的细节都需要相当多的努力和高超的技能。

除了 Oxus 收藏的文物外，在波斯波利斯和苏萨等城市的废墟以及挖掘出的坟墓和坟墓中还发现了许多其他文物。其中包括盘子、碗、饮水器、护身符和武器等。皇家酒器（rhyton）会非常华丽，通常装饰有动物图像或公牛或山羊的形状。更常见的饮用容器是碗或浅盘，它们似乎是铸造的，因为容器底部的花卉图案在许多容器上是统一的，并且不会在容器内部复制。很可能这些类型的碗和盘子是为了使用和贸易而大量生产的，而珠宝大部分是手工制作的，可能是由特定的皇室人物委托制作的。

居鲁士大帝主要关心的是巩固他的权力和扩大他的领土——尽管他无疑也忙于处理国内事务——而他的儿子和继任者冈比西斯二世（公元前 530-522 年）也遵循了同样的路线，因此直到大流士一世统治时期，人们才真正关注艺术和建筑的发展。即便如此，居鲁士还是花费了大量的时间和精力去思考他的首都帕萨尔加德，据皮埃尔·阿米埃 (Pierre Amiet) 称，在那里，

他委托建造富丽堂皇的建筑，故意拒绝城市环境。两座圆柱大厅，实际上是波斯贵族的会堂，而不是住宅，在广阔的、巧妙布置、灌溉的花园中融入了壮丽的景观。（哈珀，13 岁）

花园是波斯建筑不可或缺的一部分，在设计中占有突出地位。波斯语中的花园一词——pairi-daeza——赋予英语“天堂”这个词，因为这些景观的设计非常精美，几乎超凡脱俗。据说赛勒斯在他的花园里呆了尽可能多的时间，最有可能在解决国家事务之前先理清思路。花园由坎儿井系统（从地下引水的倾斜渠道）灌溉，大片的动植物在宫殿和行政大楼的中央庭院中占据显着位置。

阿契美尼德时期最著名的艺术品当然是居鲁士圆柱体，这是一件用粘土制成的作品，上面刻有居鲁士大帝的家谱和对他的帝国的愿景。这篇文章最近被引用为历史上第一个提出人权宣言并保证帝国人民的宗教和实践自由的声明。然而，应该指出的是，这种解释受到了挑战。

大流士一世上台后，他重建了苏萨，在遗址上增加了一座宫殿建筑群，并遵循与居鲁士相同的范式，将精心设计的花园作为设计的核心。在苏萨和波斯波利斯的建筑中，大流士一世的工匠开创了“波斯动物之都”的主题——柱子顶部的公牛或鸟的形象——并将这些柱子设计成细长的部件，以吸引眼球向上到首都人物，同时也突出了建筑物高度的宏伟。因此，这些柱子本身不仅是艺术品，而且完全融入了结构的整体印象中。屋顶采用梁柱结构，在波斯波利斯，屋顶由黎巴嫩森林中的雪松制成。

在波斯波利斯，大流士一世还发起了浅浮雕装饰的实践。波斯波利斯最著名的浅浮雕展示了阿契美尼德帝国的许多不同的人前来向波斯皇帝致敬，这些图像非常详细，每个人的国籍以及他们带来的礼物都很容易辨别供品。波斯波利斯的浮雕——以及 Oxus 收藏中和其他地方发现的奉献牌匾的例子——都表现出对形式和细节的关注，这使图像生动起来，使它们几乎看起来像是在运动。

这种对细节的关注似乎也体现了阿契美尼德王朝的花园以及他们所有艺术的特点。其他文明的艺术作品当然也是如此，阿契美尼德王朝在他们自己的创作中自由地借鉴了希腊、米底亚和其他元素；但阿契美尼德艺术和建筑的主要特点是整体效果大于任何部分的总和，这种效果几乎是压倒性的。

帕提亚时期

阿契美尼德帝国于公元前 330 年落入亚历山大大帝手中，被亚历山大将军之一的塞琉古一世尼卡托一世（公元前 305-281 年在位）统治下的塞琉古帝国所取代。塞琉古人保留了早期的结构，但作为希腊人，自然地追求自己的艺术视野并以自己的风格进行创作。公元前 247 年，他们的帝国落入帕提亚人手中，波斯艺术和建筑重新开始发展。这并不是说塞琉古时代没有取得任何进展，而是早期帝国的各种创新和细节在此期间并未出现。

帕提亚人最初是半游牧民族，他们的艺术反映了他们接触过的不同地区。虽然他们保留了阿契美尼德艺术作品的基础，但他们的愿景表达在建筑的循环和艺术的正面。阿契美尼德王朝的浅浮雕——以侧面人物的形象为特色——被雕像和与观众面对面的形象所取代。一个很好的例子是一位帕提亚国王的正面浅浮雕，它向皇家王朝的守护神赫拉克勒斯-维雷拉格纳 (Heracles-Verethragna) 献祭，目前收藏在巴黎卢浮宫博物馆的 310 房间， 法国。国王的左臂托着一个聚宝盆，而他的右臂则在火坛上献祭。像许多人一样，这个形象曾经装饰过一座供奉神明的寺庙，使用正面可以让游客直接接触国王的形象，提供一个与过去的祈求者交流的机会。

学者 Homa Katouzian 指出，帕提亚艺术和建筑受到“阿契美尼德、希腊化和美索不达米亚形式的影响，并受到他们自己的游牧传统的影响”，但他们利用这些影响使艺术成为自己独特的 (45)。例如，圆顶的使用已经是罗马艺术的主要内容，但帕提亚人接受了这个概念并对其进行了扩展。罗马圆顶位于建筑物的顶部；帕提亚圆顶从地面升起，突出了高度以及力量和稳定性，将视线向上吸引并直接回到地面。到他们的首都尼萨的游客可以想象，将圆顶的线条延续到地球上，然后返回形成一个圆圈，圆形图案几乎出现在所有帕提亚艺术和建筑作品中，象征着完整性。

萨珊艺术与建筑

萨珊帝国延续了这些创新，并像之前的其他帝国一样，从多种影响中学习并汲取了教训。萨珊人的辉煌之处在于他们能够将过去的工作完全整合到他们现在的努力中并加以改进。萨珊艺术是波斯艺术努力的顶峰，就像整个萨珊帝国体现了古代波斯文化最伟大的方面一样。

萨珊帝国由阿尔达希尔一世（公元 224-240 年在位）建立，他在推翻最后一位帕提亚国王并建立自己的王朝之前曾是帕提亚人的将军。阿达希尔一世几乎立即发起了建筑项目，这些项目仍然是萨珊艺术的最佳典范。在阿达希尔一世的领导下——并在他的儿子和继任者沙普尔一世（公元 240-270 年在位）的领导下进一步发展——圆顶和尖塔成为建筑设计的主要内容。浅浮雕中正面的帕提亚主题被放弃了，取而代之的是阿契美尼德对侧面或四分之三视图中图像的处理。

萨珊人借鉴了帕提亚和罗马的圆顶和拱门技术，创造出仍然传达圆形概念的拱形支撑结构。最好的例子是位于Ctesiphon的著名宫殿Taq Kasra - 可能由Kosrau I（公元 531-579 年在位）建造，但有时也归因于 Shapur I - 它的特点是最大的单跨拱形无钢筋砖砌拱门世界，即使在当今任何地方都无与伦比。仍然存在的废墟是通往宏伟皇宫的入口——因为 Ctesiphon 是萨珊王朝的首都——它的建造是为了反映波斯波利斯等阿契美尼德杰作的宏伟壮观。

萨珊艺术保留了阿契美尼德王朝的花卉图案和帕提亚人的圆形图案，但通过狩猎、舞蹈、派对和其他消遣以及战斗场景、宗教图案和神话故事的图像增强了他们的作品。这些人物几乎总是以侧面描绘，尽管有些人物——例如银盘子和饮水器上的人物——是正面的。正面萨珊艺术最伟大和最著名的例子是巨大的沙普尔一世雕像，它高 21 英尺（67 米），由伊朗沙普尔洞穴中的单个石笋雕刻而成。即使在废墟中，这座雕像仍然充满生机，其巨大的高度让参观者清楚地感受到其主题的宏伟。

结论

教的兴起是在公元 7 世纪，随后 人对各个地区的征服不可避免地导致了公元 651 年的萨珊帝国灭亡。在古代波斯宗教的拜火教被抑制-就像许多其他方面的波斯文化-以努力牢固树立 世界观。即便如此，波斯艺术和建筑仍然存在并影响了后来的 - 作品。尖塔几乎是当今 建筑的代名词，正如前面提到的那样，是萨珊式的创新。Homa Katouzian 指出：

从 征服开始，伊朗人就参与了新政权，无论是作为皈依的战士、地方行政人员、抄写员，还是后来的大臣、语言学家、诗人、文人、知识分子、叛乱者，最终还是新王朝的缔造者……损失萨珊帝国的灭亡并不是伊朗人灭亡的同义词，即使在征服后和波斯王朝建立之前的前两个世纪，伊朗人在 社会和文化的国际化中也发挥了决定性作用。(67)

波斯艺术和建筑在当今继续发挥着强大的影响力，因为它尊重过去的传统，采用以前行之有效的方式并对其进行改进。今天的波斯建筑师和艺术家敏锐地意识到他们的遗产——一些工匠甚至继续像他们的祖先几千年前那样从事金属工作——并利用他们的历史来保护和纪念过去。波斯陶瓷、地毯、雕像和纺织品仍然是世界上最受欢迎的，这是所有古代文明中最伟大的文明之一的不朽遗产。

刀刻艺术是如何兴盛起来的？细如毫米，这种功法是怎么练的？刀刻、彩绘葫芦画传统制作技艺，据史料著作《齐民要术》、《太平御览》中记载，源于宋代，已有千年历史。葫芦画工艺最早在山西、甘肃一带民间流传，到了清朝康熙年间已很兴盛，被视为吉祥物。康熙皇帝当年就非常喜爱葫芦艺术品，经常让宫廷艺师刻画出各种精美图案，写意出名家山水人物画作品以供赏玩，大大赋予了葫芦鲜活的艺术性，也使其具备了一定的收藏价值。

后在文水县志查阅，二三十年代，文水有一名叫李铬的民间艺人，能书善画，懂诗文，有很高的文学艺术修养，以刀刻、彩绘葫芦维持生计，对刀刻、彩绘葫芦工艺的进一步提高做出贡献。由于他的努力，这项技艺声誉日隆，逐渐流传至今。

刀刻艺术是如何兴盛起来的？细如毫米，这种功法是怎么练的？刀刻、彩绘葫芦画传统制作技艺，据史料著作《齐民要术》、《太平御览》中记载，源于宋代，已有千年历史。葫芦画工艺最早在山西、甘肃一带民间流传，到了清朝康熙年间已很兴盛，被视为吉祥物。康熙皇帝当年就非常喜爱葫芦艺术品，经常让宫廷艺师刻画出各种精美图案，写意出名家山水人物画作品以供赏玩，大大赋予了葫芦鲜活的艺术性，也使其具备了一定的收藏价值。后在文水县志查阅，二三十年代，文水有一名叫李铬的民间艺人，能书善画，懂诗文，有很高的文学艺术修养，以刀刻、彩绘葫芦维持生计，对刀刻、彩绘葫芦工艺的进一步提高做出贡献。由于他的努力，这项技艺声誉日隆，逐渐流传至今。

古人所谓的“书画同源”，也可以从古代象形文字和他们祖先对某些特定事物的幼稚的表现的层面来理解“是同一件事，没有区别。考古学界和哲学界关于5000年前早期陶器上的象形文字是否是第一个字符的争论。这里的方法是雕刻国产刀的“方法”。如果你做不到，你将充满工艺，线条将变得杂乱无章。有一种方法。线路合理清晰。这似乎是用毛笔写的。有着良好的构图和性格，这是一份好工作。

温州乐清，一种细粒雕刻纸的发源地，位于东南沿海，靠近东海。自古以来，海洋渔业生产就得到了发展。由于乐清临海，以高风险捕捞为主要生产方式，当地的海洋信仰十分繁荣。自古以来，人们就崇拜海神、龙神和其他海神，以平静地出海，安全地生活。明末清初，《一拳到位》所书写的人物性格更具精神性和完整性。进入更高的学习阶段后，我明白这更重要。在大多数情况下，“修复、追踪和补充”一词精神薄弱，没有任何表达。

古今中外学者对书法和绘画作品的构图赞不绝口：它通过背面有力的纸张，以及刀雕而成。自唐、乐、元、明、清以来，他经历了一段辉煌的历史，尤其是在北宋时期，毕升（约972-1051）发明了中国古代四大发明之一的“移动印刷术”。“韩勇遇仙”碑约一人高。碑上的线条清晰、流畅、易懂。刻有家谱的刀像一支笔。每支笔都像画笔一样生动。这些角色看起来像生活，没有手艺。事实上，这是一部代代相传的杰作。

问题一：哪种紫砂壶最好？ 紫砂壶，是陶器的一类，是我国所独有的。如今的紫砂壶文化，受到了一定的推动。伴随的是，人们对紫砂壶各方面的需求性也在提升。例如，对紫砂壶的工艺价值性，或是收藏价值。这些，都加入到了紫砂壶的价值因素中。那么，紫砂壶都有哪几类呢？

紫砂壶可分五大类：方壶、花果型、筋纹型、光身壶、陶艺装饰壶。以下为简单的介绍：

1、方壶是以点、线、面相结合的造型。壶体壮重稳健，方圆结合，刚柔相间，体现人体美学；

2、花果壶是以瓜、果、树、竹等自然界的物种来作题材，特点在于充分表现出自然美和反朴归真；

3、筋纹菱花壶俗称“筋瓤壶”，是以壶顶中心向外围射有规则线条之壶，竖直线条叫筋，横线称纹；

4、光壶是以圆为主，它的造型是在圆型的基础上加以演变，用线条、描绘、铭刻等多种手法来制作；

5、陶艺壶是一种是圆非圆，是方非方，是花非花，是筋非筋的一种较抽象形体的壶，可采用油画，国画之图案和色彩来装饰，有传统又非传统的陶瓷艺术。

可见，每种壶都具有一定的独特点。这也大大的丰富了紫砂壶收藏爱好者的范围性，可多项的选择。

问题二：什么茶叶养紫砂壶最好？ 时下所谓的养壶不过是商家的噱头和人们盲从而已，正如玩核桃、玩手串、玩琥珀、玩玛瑙，这些无文化根基的热点，都是商家运作，陷尔入毂中罢了。

紫砂壶经一段时间养护“，色泽变得”温润“，教人误以为是紫砂壶的包浆，其实不过均匀的附着一层茶垢而已，一洗就掉，有何用处？喝茶是文雅之举，你老不洗茶壶，恐怕太不讲究了吧？

有条件的话，每类茶叶都配一把壶，免得串味。壶就不要养了，正常使用，顺其自然，这更符合茶的天性。也许有一天，你突然发现，岁月已将壶打磨伐温润厚重、古朴大方。

问题三：什么料的紫砂壶好 目前紫砂比较常见的几种泥：紫泥、红泥、绿泥。任何一种纯净单一的泥料都可以称为清水泥。实际上清水泥很少，很多都掺杂了其它的泥料。

例如段泥，就是绿泥掺杂了紫泥，这种泥有原本开采矿的时候就是绿泥紫泥杂生矿，有的是后期调配的。现在段泥壶的最大一个特点就是需要烧到温度，要不然就吐黑，就是壶用来用去变得不干净不透亮（这个可以网上找图去看）。

朱泥是红泥中的极品，因为泥料本身的性质，做壶过程中成品率低，所以相对较贵，朱泥因为透气性相对不及其它泥，所以比较适合泡铁观音，因为聚热，聚香。

紫泥，无论是底槽清还是什么的，是很适合各种茶。所以这些泥料呢，无所谓好坏之分，只要是真正的紫砂就可，真正的紫砂，是没有掺入各种氧化物（为了外观漂亮），这样对身体无害，而且可以把玩。

建议入手的话可以去正规的壶店去看看，不要买一些奇怪艳丽的颜色，最好从紫泥的入手，等有经验了可以备个几把壶，泡各种茶。

现在很多卖家为了追求光泽，在壶身上进行打蜡处理。凡内行的壶友是绝对不会选购打腊壶的。其实好泥料的壶是不需要打蜡的，打蜡的壶肯定不是好壶，也就没有多大收藏价值了。如何辨别壶体是否打蜡呢？

第一，感觉特别亮。

第二，摸上去有一种摸蜡的异样感觉。

第三，水浇上去很快聚成水滴滚落。

第四，闻上去可能有异样味道。

问题四：哪里的紫砂壶最好啊？？ 江苏宜兴 紫砂村

目前香港最高的拍卖价格

陈鸣远南瓜壶拍卖 成交价 842万港元

陈鸣远制紫砂三足圆壶拍卖 成交价246万

陈鸣远制拼砂梅桩壶拍卖 成交价358万

陈鸣远，字鸣远，号鹤峰，又号石霞山人，壶隐，清康熙年间宜兴紫砂名艺人，是几百年来壶艺和精品成就很高的名手。陈鸣远是清朝初期的紫砂壶大师，继时大彬之后的又一代宗师，出生于紫砂壶世家，祖籍江苏宜兴。其作品极具文化和艺术价值，被紫砂壶界视为经典。

陈鸣远出生于紫砂世家，所制茶具、雅玩达数十种，无不精美绝伦，他还开创了壶体镌刻诗铭之风，署款以刻铭和印章并用，款式健雅，有盛唐风格，作品名孚中外，当时有“海外竞求鸣远碟”之说，对紫砂陶艺发展史建立了卓越功勋。（详见紫砂书籍《壶魂》《壶论》） 。

他制壶技艺精湛全面，又勇于开拓创新。他仿制的爵、觚、鼎等古彝器，工艺精，品位高，古趣盎然。所制茗壶造型多种多样，特别善于自然型类砂壶的制作，作品有瓜形壶、莲子壶、束柴三友壶、松段壶、梅干壶、蚕桑壶等均极具自然生趣，把自然型壶在明人的基础上，进一步推向艺术化的高度。这些壶式不仅是他的杰出创造，而且成为砂壶工艺上的历史性造型，为后来的制壶家们广泛沿用。

他多才多艺，还制作了许多案头陈设的清供雅玩和文房用具，像生的菱角、扁豆、花生、玉蜀黍、\菇、栗子、藕片、荸荠、核桃、白果等等，无不精妙，把果蔬的自然生态，表现的淋漓尽致，惟妙惟肖，再配以契合果蔬肌理的泥色，给人以活生生鲜灵灵的审美感受，令人拍案叫绝。

他还开创了壶体镌刻诗铭作装饰，署款以刻名和印章并用，把中国传统绘画书法的装饰艺术和书款方式，引入了砂壶的制作工艺，使原来光素无华的壶体增添了许多隽永的装饰情趣，也使砂壶更具有了浓厚的书卷气，再加之诗铭、书款的书法雅健娟秀，富有晋唐笔意，从而把壶艺、品茗和文人的风雅情致融为一体，极大的提高了砂壶的艺术价值和文化价值，成为真正的艺术品进入了艺术殿堂，这是陈鸣远在壶艺发展史上建立的卓越功勋。

陈国军，陈鸣远后人，民间紫砂工艺大师，1954年1月5日出生于世界紫砂之都：江苏宜兴市丁蜀镇紫砂村。生长在紫砂世家，是清朝康熙紫砂大师陈鸣远后人。他从小生在紫砂之家，对紫砂有着天生的执着和爱好。自幼受陶艺熏陶，作品造型古朴，细腻精致，充满大自然的生动情趣和人文气息。

陈国军从小生长在紫砂世家，地处紫砂泥料原产地，紫砂文化发源地，紫砂制作工艺与创作发源地，在这重重背景熏天下，少年时期的陈国军，就对紫砂产生了浓厚的兴趣。而且祖辈中，有清代康熙年间著名紫砂大师陈鸣远，在幼小的心灵上，就有传承祖辈遗风，发扬紫砂技艺和文化的志向。

陈氏家族，紫砂壶制作技艺从陈子哇到陈鸣远，一辈一辈传下来。一直有子承父业的传统，家谱因各种历史原因，已经无从考证，到陈国军爷爷这辈，陈甫生（在家排行老三，小号陈三大），也是从事紫砂制作营生，父亲陈新洲，伯父陈永洲在当地都是有名的紫砂制作艺人，其中父亲陈新洲主要负责紫砂壶的制作，伯父陈永洲负责紫砂壶的销售工作，分工明确。而且解放前后，在上海开有分店销售。形成了紫砂自产自销的经验模式。

陈氏紫砂壶制作技艺，整把壶的制作有严格的工艺讲究和分工，特别在仿古，六方，石瓢等方面，有比较高的造诣，而且一直秉承只手工制作壶，只做真紫砂壶，而且一直把这些做壶的思想原则，包括经营生意经言传身教，陈国军 都是耳熟能详，每每看见父亲做壶，都在兴致满满，不断询问父亲制壶的原理和方法，从泥料的选材，熟泥加工，温度控制，制壶工具，使用>>

问题五：最好的紫砂壶是什么样的？ 紫砂壶在拍卖市场行情看涨，是具有收藏的“古董”，名家大师的作品往往一壶难求，正所谓“人间珠宝何足取，宜兴紫砂最要得”。可以去博宝宝珍商城了解一下。紫砂壶，曾是中国特有的手工制造陶土工艺品，现也有机器大批量制造的。制作原料为紫砂泥，原产地在江苏宜兴，又名宜兴紫砂壶。其起源可上溯到春秋时代的越国大夫范蠡，已有2400多年的历史。从明武宗正德年间以来紫砂开始制成壶，名家辈出，500年间不断有精品传世。据说紫砂壶的创始人是中憨明朝的供春。紫砂壶的特点是不夺茶香气又无熟汤气，壶壁吸附茶气，日久使用空壶里注入沸水也有茶香。

问题六：紫砂壶适合泡什么样的茶？ 一般来说，紫砂壶是不挑茶叶的，任何一种茶叶都可以用紫砂壶来泡制，但是壶的特性与茶的特性相配更佳。

比如朱泥一般目数较高，密度大，对高香型茶品的香味吸附损失少，益茶性，聚热扬香，是乌龙茶伴侣。朱泥小壶宜冲泡条索状的安溪铁观音，表现茶香特质，平顺释放出铁观音的茶韵花香。广东沿海喜嗜“功夫茶”，宜用容量在100-200毫升的小壶品饮，其殷红象征吉祥。

段泥（本山绿泥）窑温：约1150度，收缩比约13%，适合冲泡：绿茶类、铁观音、台湾包种茶、乌龙茶生茶（轻焙火系列）。胎轻质疏，好绿茶。高身筒（如井栏）是泡茶利器。

紫泥、段泥、降坡泥中、大品壶适合冲泡黑茶类，身筒高一些更好。紫泥、段泥、降坡泥泥质较为疏松，利于吸附黑茶类不好的仓味，其交换作用也可以使茶汤的味道更好，身筒高更有闷泡的作用。但熟普由于汤色过浓，容易造成段泥吐黑，应该在试养后再持续泡养。本山绿的小壶如西施（这是我家最推荐的新品），小身型浅**，专泡陈普，尤其是荷香散普，能还原出熟普的内函与本味。

扁形壶,适宜武夷茶。高筒壶,宜泡清香茶。泡铁观音茶不宜选用高筒直壶，因高筒壶倒茶时易形成残留，就会释放出茶单宁，造成茶苦涩。 我是一淘宝紫砂店的店主，店名叫砂壶印象，有空来看看吧！

问题七：紫砂壶的产地是哪里？哪里比较好？ 紫砂壶在拍卖市场行情看涨，是具有收藏价值的“古董”，名家大师的作品往往一壶难求，正所谓“人间珠宝何足取，宜兴紫砂最要得”。紫砂壶是中国汉族特有的手工制造陶土工艺品。制作原料为紫砂泥，原产地在江苏宜兴丁蜀镇又名宜兴紫砂壶。

宜兴紫砂壶是艺术品，它形制优美，颜色古雅。 另一方面，它又是实用品，明清两代，伴随着瓷器的兴盛，宜兴紫砂器艺术也突飞猛进地发展起来。邵友兰善做仿古器型，尤以“配泥精致，质坚如玉为一绝”。所用印章有椭圆式带边纹的“阳羡邵友兰制”，还有带边的方章“友兰秘制”，小印楷书“友兰”二字，铭刻一般署名“二泉”所作。由于紫砂艺人的印章材料坚固，一般可以沿用若干年，甚至终生都在使用，因此印章款的鉴别是判断紫砂壶作者的一个直接依据。

当代的紫砂大师，首推顾景舟老先生。其余如蒋蓉、徐秀棠、徐汉棠、鲍志强、高海庚、朱可心、何道洪、裴石民、王寅春、李昌鸿、顾绍培、汪寅仙、吕尧臣等也各自身怀绝技，各有专长，皆为一时俊才。宜兴紫砂壶起源于何时，这在学术界和紫砂器爱好者之中都进行过。

问题八：怎样挑选一把好的紫砂壶 如何挑选一把好的紫砂壶应具备什么条件除了依个人主观的偏好(有人爱花货,有人爱方壶)为出发点外,可以以下几个标准来判断：

壶的造型结构：一把壶的完成需由多部分相组合才行。其组合是否合乎理想，合乎物理性质，是评断这把壶的基本要件。以下就茶壶三要素壶嘴，壶把，壶身三个部分的组合加以叙述。

三点成一直线，：壶的嘴（出水口），壶把，钮必须成一直线，换名话说，就是三点要对直（少数特殊造型除外）。

比例要匀称：各部分组合比例，应力求匀称，同时要展现出落落大方的空间感。

出水顺，握感轻：壶嘴的出水务必顺畅，手握壶把时，握感应力求轻盈，不费力。

一体成型感：壶嘴与壶身，壶把与壶身的连接部位，要处理得很自然，没有任何破绽，宛如一体成型般。

茶壶的外观：

茶壶的外观可从多方面加以考虑。

美观：近年来，市面上推出的茶壶形式琳琅满目，或高或矮或圆或扁，或几何形状或瓜果形状。然而，每个人有每个人的审美观点，因此，所谓的美并没有一定的标准可言，只要合乎您的心意即可。

重心要稳：用手提起茶壶是否感觉顺手？重心是否恰到好处？端看该壶壶身与壶把的设计是否精准。购买新壶时，不妨要求卖主在壶中装入约壶容量3/4的水。用手平平提起茶壶，缓缓倒水，如果感觉很顺手，即表示该壶重心适中，稳定，是一把好壶。如果提壶需用国紧握壶把才得以平稳的话，即表示此壶的重主位置不对。除了重心要稳之外，左右也需匀称。抓起壶盖时，壶口要平，要圆。

出水需急，长，圆：出水首先要刚直有劲，水束又长又圆，同时，倾倒壶水时，若能使壶中滴水不剩，即表示是一把好壶。

壶盖，壶身紧密吻合：壶盖与壶身的紧密度愈高，愈不会使茶香流失，壶盖与壶身紧密吻合的茶壶才是一把好壶。壶盖与壶身紧密度的测试方法是，茶壶装水约1/2-3/4，用食指紧压盖上气孔，倾倒壶水看看，若滴水不流即表示两者紧密度极高；另外，用食指紧压茶壶壶嘴，颠倒壶身，若紧密度够，则壶盖不会掉落。

其次，壶底壶面平滑工整，落款也工工整。通常一把壶至少会有二个以上的印章，大抵是在壶底，壶盖，或把手上。

茶壶的品质：

茶壶的制作方法有手手拉，挖塑及灌浆三种，每一种的价值多少有些差异。外行人很难从外观判断是属于何种。此时，不妨抓起壶盖，仔细端详壶身内部情形即可明白。一般而言，手拉坏较为粗糙，挖塑壶会留下刀刻的痕迹，灌浆壶则会有模痕。至于要判定其好坏，可从两方面着手，即看色泽与听声音。

看色泽：据行家的说法，茶壶的色泽以滑润为佳，一把好茶壶，其土胎色泽所呈现之滑润感，的确很迷人。

听声音：茶壶因烧成火候的不同，硬度多少会有差异，因而声音也就有清脆铿锵或混浊迟钝之分。究竟清脆较好或是混浊声较佳，并无一定标准。不过，根据多数行家认为，声音较清脆铿锵的壶，较适合泡发酵，香气高的茶；声音较混浊迟钝的壶则适合泡重发酵，韵味低沉的茶。

辨别壶身的方法是，将壶平放左手手掌上，以右手食指轻弹壶身。

在此必须特别强调的一点是，宜兴陶土因含有石英成份，故制成茶壶后，放在灯光照照看，可看出点点点金光，这是其他地方陶土所没有的特点。

问题九：用紫砂壶泡什么茶最好呢？ 紫砂壶泡茶好处多多，用紫砂壶泡茶，香味醇和保温性好无熟汤味，能保茶真髓，一般来说紫砂壶用来泡那种半发酵茶或者是全发酵茶最好，而紫砂壶泡茶最好是一壶一茶（一把壶只泡一种茶），清水泥的比较适合泡乌龙茶，自拟的适合普洱莱阳，所以泡不同的茶，应该选用不同的壶。

主要说说常见的四种茶：红茶、普洱、铁观音和绿茶。

段泥、本山绿、淡色天星泥壶、淡色青灰泥、清水泥的壶绝对不适用红茶、普洱茶、黑茶，特别是本山绿和段泥用黑茶泡过后壶壁吸取黑色茶垢，出现人工吐黑；

朱泥、红泥的壶：四种茶都可以用 ，泡铁观音等乌龙茶更佳好点；

壶口小的壶：不合适用铁观音；

底槽清，低温烧制的壶、清水泥的壶：对任何茶叶均比较适中；

深色天星泥、深色青灰泥壶用红茶比较合适

普通紫泥、深色紫泥的壶：用普洱、红茶、黑茶相对比较好养一些，其他茶也可以泡养；

容量大的壶：不合适泡绿茶 ；

容量小的壶：比较合适泡绿茶；

段泥、淡颜色的泥料：用碧螺春、龙井，毛尖比较合适；

壶口大的壶：比较合适泡铁观音

清水泥的壶：比较合适泡红茶

高温烧制的底槽清（猪肝色）：用红茶、普洱比较合适。

降坡泥壶：铁观音比较合适

老紫泥的壶：用红茶比较合适

有必要注意的是黄金段，老段，本山绿，灰色的等浅颜色的壶不可用发黑的茶汁泡养。朱泥壶在冬天用的时候要注意温差，不可贸然浇热水，要先温壶。因为朱泥收缩比极大，热胀冷缩容易开裂！

由于没有区分彩页、黑白的页码，具体纸张，封面要求等具体纸张，很难计算明细费用。对于淘宝印刷我不是很了解，如果去印刷厂印刷则需要办理内部资料准印号，不好办的；建议还是自己打印，找一些快印店装订，装订费用在成都的话约800元左右。仅供参考！

家谱之体现，能合书、图、史、表、志为一体者，它的利用价值就显得大些。家谱主要以文字内容为主，资料为副，但一张好的、照片仍是能将时代的精神面貌和特质传达出来。

将、照片纳入家谱的意义在于，为家族传承提高了一个最直接的环境背景，使家谱不在局限在文字文字记录、整体概念也变得鲜明而生动起来。

只要是能让人对家谱有更进一步认识的古地图或老照片，均应该被收入家谱里，包括：

1．老照片：家中存有的古老黑白照片、一家人的合照等，都有其历史价值，也是见证家谱的最原始材料。

2．祖先（遗像、人物画、肖像画）：中国历代以来多有大量之人物画及肖像画，其中有大部分是为了纪念先人，或表达对圣贤亲人的追慕。也有些家谱将家族先人中显达之人，画出其仪容，置于卷首，以求达到光大族望，启迪后人的目的，有些也刊载一些先人手泽遗墨。

3．风水图（祠堂图、墓图）：祠堂是供奉先人的地方，在古代更是家族聚会之所，所以一般的家谱均有记载和刊载建物版图、描绘实状，有些更是附刊墓图，有些甚至详记地理方位。人们相信一个家族的兴衰和祖辈所居住、埋葬的地点有很深的关系，这些都蕴涵着丰富的“风水”内容，所以也被称为“风水图”。

4．故居/村庄图：明清族谱中不但记述居址迁徙，很多富家所修的谱书中，还以精美的版图，印制出他们家族的庭院、楼阁、书斋、房舍等。 明清以来，祠堂成了宗族祭祀先祖、议决大事的重要场所。每个祠堂大凡都有自己的堂号，从某种意义上讲堂号是宗族的标志。堂号可分为两大类：一类为具有姓氏特徵的堂号，如王氏“三槐堂”、赵氏“半部堂”等；另一类是没有姓氏特徵的堂号，如“世德堂”、“崇本堂”等。具有姓氏特徵的堂号，其来源大都伴有寓于某些含义的典故，它重复出现于该姓氏的不同支族。没有姓氏特徵的堂号，大部分分别为某一支族特有或与其他宗族的堂号甚少重复，其馀少量的堂号则在同姓和异姓宗族中间着较高的重复出现率。而其他的堂号辅以姓氏、地域的限制，也能在判断宗族方面起一定的作用。如“世德堂”，杨、丁、王、李、吴、何、沈、邵、周、胡、秦、徐、陆、陈、孙、黄、曹、许、张等数十个姓氏都有此堂号，而且同姓中的不同支派也有，出现的重复率极高，但加以姓氏、籍等条件限制，就可缩小范围。

堂号名称一般取自于郡号名或为纪念家族史祖或名人而自创。

一般来说，堂号多取自于郡号名，郡是秦、汉时期对行政区域的建置，郡号名又取自于郡名，或诸侯国名，地方府、州、县名。随着姓氏家族的发展壮大，就出现了以各姓氏名门望族发祥地的郡名作为郡号的由来。

大家族日久人众，或是遇至天灾连年之时，族人就会因迁徙流离，而散布各地。于是就有了在“总堂号”之下，再加入“分堂号”名称的方法。“总堂号”代表家族（姓氏）的发祥地，寓后人以不忘本源，“分堂号”则是族人迁徙至新地，成为当地有名望家族后，以该地的郡号作为堂号，“总堂号”和“分堂号”统称为“郡望”。

因为各族姓基本上都是以郡名作为自己家族的郡号，所以就有了若干姓氏同为一个堂号的现象。例如：王，胡这两个姓的郡望都是“清河堂”。

堂号名称的另一出处：自创堂号，乃家族中人自立的堂号，该堂号名称一为有别于各姓氏的分支别派，二为铭记祖先或名人的公德事迹或教诲。例如：杨氏的“四知堂”寓意“天知、地知、我知、子知”的为人风范。 明代中后期是中国家谱体例演变与内容更新的一个重要分水岭。体例的变化与内容丰富是此前谱牒所少有的。正德元年所纂《余氏会通谱》内容包括新旧序、跋、辨、图、外传、外纪图、世系图、茔域图、卷末跋、后序。《休宁文昌金氏世谱》内容已较全面，包括序、凡例、列士、金氏该国、世系、事略、行实、行状、墓志铭、杂著、记、诗、赞、规约。嘉靖十八年许璞、许汉纂《许氏统宗世谱》内容涉及序、名人传记、行状、墓志、世系。嘉靖三十四年朱世恩纂《朱氏统宗世谱》内容涵括历代谱序、敕命、凡例、像赞、祠屋图、墓图、传、世系图。嘉靖三十七年黄侍、黄仁德纂《左田黄氏孟宗谱》内容包括序、图、地理志、姓氏源流、世系、文翰。隆庆六年许可复、许凤翔纂《新安歙北许氏东支世谱》吸收并总结了嘉靖以前家谱的有关内容，且有所扩展。该谱涉及历代谱序、目录、世系图、考、先世文翰、序、说、传、记、寿叙、赋、诗、歌、词、挽诗、行状、赞、祭文、谱说、后骗子、领谱字号等诸项内容。万历以后，字谱内容较前更为丰富。隆庆、万历年间歙县殷氏宗族“始为谱，其大凡有姓氏、本原、世系三考”，其后内容又扩充了“世德、规范、训典、文献、宅第、丘墓、遗文、遗迹、里社九考。”万历五年吕仕道纂《吕氏续修宗谱》涉及目录、书法、凡例，历代谱序、像赞、迁源源流、祠墓寺图表、里居图、姓氏来源、世系、世德、规范、训典、文献、遗事、丘墓、祭田、家规、修谱衔名、修谱总论、后序、跋等内容，该谱的列诸项涵盖了后世家谱所具备的基本内容。万历十八年程弘宾纂《歙西严镇百忍程氏本宗信谱》分谱序、谱例、纪源、传疑、传信、世系、世传、内传、保莹、遗翰、族约、续后十二篇。万历末年修成的休宁《曹氏统宗世谱》涉及序列、题辞、谱引、谱歌、谱诗、恩荣录、曹氏先达、迁徙源流、坟墓、后序、跋、谱约、支谱图、统宗谱系小叙、系图、事略、重修族谱叙略、家乘序、诗集序、遗嘱、跋等内容，名目纷繁，同万历以前所修宗谱相比，内容得到大规模扩展，几乎囊括了与宗族相关的所有事项。通过对上述明代宗谱的分析，我们不难发现，与宋元谱相比较，明谱新增加的内容主要体现为家规家训、祠产族产等宗族制度的相关方面，这也正是明代宗族制度较前有所发展的一个反映。

关于体例方面，明谱在因袭欧苏谱例的同时，增加了“志”“图”“考”“录”等项新内容，这是明修宗谱进一步吸收正史和地方志编纂学上成果的重要体现。据翟屯建先生研究，明代宗谱体例主要有三种形式：一是纲目体，以纲统目；二是条目体，一事一目，互助统辖；三是纲目与条目的混合体。且愈往后，这种混合体的方法在宗谱编纂中愈益得到广泛的运用。与明代以后所修宗谱相比较，有明一代所修宗谱的体例已比较完备，且大体上已定型，此后清、民国年间所纂宗谱在体例上基本承袭明谱，变更甚微。

2016年3月媒体报道：仙桃市张沟镇新西村81岁陈江培老人保存的《义门陈氏江州老谱》。扉页楷书“义门陈氏江州老谱”字体古朴苍劲，纪年“明弘治十四年”（公元1501年）清晰可见。族谱为黄绫质地，手工抄写。族谱记载了义门陈氏牛公庄的3位先人，于明洪武二年（1369年）由江西吉水迁至湖北沔阳越舟湖，世袭至明弘治十四年（1501年）的家族历史。现在这一支系已发展到近2万人，分布于仙桃各地。全国“非遗”评审专家、江西师大历史系教授梁洪生认为这部《义门陈氏江州老谱》是迄今发现的成书最早、保存最好的谱牒，极具史料价值，够得上“国家级历史文物”。

剪纸

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剪纸是中国最为流行的民间艺术之一，根据考古其历史可追溯到公元六世纪，但人们认为它的实际开始时间比这还要早几百年。剪纸常用于宗教仪式，装饰和造型艺术等方面。

在过去，人们经常用纸做成形态各异的物像和人像，与死者一起下葬或葬礼上燃烧，这一习俗在中国境外有时仍可见到。剪纸艺术一般都有象征意义，也是这种仪式的一部分。此外剪纸还被用作祭祀祖先和神仙所用供品的装饰物。

大约因其材料易得、成本低廉、效果立见、适应面广而普遍受欢迎；更因它最适合农村妇女闲暇制作，既可作实用物，又可美化生活。全国各地都能见到剪纸，甚至形成了不同地方风格流派。剪纸不仅表现了群众的审美爱好，并含蕴着民族的社会深层心理，也是中国最具特色的民艺之一，其造型特点尤其值得研究。

现在，剪纸更多地是用于装饰。剪纸可用于点缀墙壁、门窗、房柱、镜子、灯和灯笼等，也可为礼品作点缀之用，甚至剪纸本身也可作为礼物赠送他人。人们以前还常把剪纸作绣花和喷漆艺术的模型。

剪纸不是用机器而是由手工做成的，常用的方法有两种：剪刀剪和刀剪。顾名思义，剪刀剪是借助于剪刀，剪完后再把几张（一般不超过8 张）剪纸粘贴起来，最后再用锋利的剪刀对图案进行加工。刀剪则是先把纸张折成数叠，放在由灰和动物脂肪组成的松软的混合体上，然后用小刀慢慢刻划。剪纸艺人一般是竖直握刀，根据一定的模型将纸加工成所要的图案。和剪刀相比，刀剪的一个优势就是一次可以加工成多个剪纸图案。

在农村，剪纸通常是由妇女、姑娘们来做。在过去，这可是每个女孩所必须掌握的手工艺术，并且还被人们来品评新娘的一个标准。而职业的剪纸艺人则常常是男人，因为只有男人才能在作坊里一起劳作并挣工钱。

历史

据考证，从商代始（公元前1600—1100年）就有人用金银箔、皮革或丝织品进行镂空刻花制作装饰品。1950一1952年在河南辉县固围村战国遗址的发掘中，发现了用银箔镂空刻花的弧形装饰物。这些用银箔镂空而成的装饰物，虽然不能说就是剪纸，但在刻制技术和艺术风格上，可以说是已经形成了剪纸艺术的前身。

西汉时，人们用麻纤维造纸，传说汉武帝的宠妃李氏去世后，帝思念不已，卧不安寝，食不甘味，于是请术士用麻纸剪了李妃的影象为其招魂，这大概是最早的剪纸。公元105年，蔡伦改进和推广前人的经验开始大量造纸，这种镂花形式因找到了更易普及的材料从而诞生了剪纸艺术，距今已有两千多年的历史。用纸剪成美丽的图案花纹，目前最早发现而且有据可查的是新疆吐鲁番火焰山附近，先后出土了五幅南北朝团花剪纸：对马团花；对猴团花；金银花团花；菊花团花；八用形团花。

唐代已将剪纸图案应用于其它工艺方面。自汉至唐出现了一种金银镶嵌技术工艺，是将刻镂的金银箔粘贴在漆器或铜镜的背面，经填漆磨干，在漆地上显出金光灿烂的花纹。

唐宋时期，流行“镂金作胜”的风俗。“胜”，就是用纸或金银箔、丝帛剪刻而成的花样，剪成套方几何形者，称为“方胜”；剪成花草形者，称为“华胜”，剪成人形者，就称之为“人胜”。南朝梁宗懔在《荆楚岁时记》中记载：“正月七日为人日，（《东方朔传·岁时节》：天地初开，一日鸡，二日狗，三日猪，四日羊，五日牛，六日马，七日人，八日谷。其日晴所主之物盛，阴则灾。 八日之中，尤以人日为重，又称“人胜节”）以七种菜为羹；剪彩为人，或镂金箔为人，以贴屏风，亦戴之于头鬓；又造华胜以相遗。”

唐代大诗人杜甫以《人日》为题作诗：“此日此时人共得，一谈一笑俗相看。尊前柏叶休随酒，胜里金花巧耐寒。”另一位唐代著名诗人李商隐也作有《人日》诗，诗中说：“镂金作胜传荆俗，剪彩为人起晋风。”六十年代在新疆出土的文物中，还有一件唐代的人胜剪纸，七个女子人形排列成行，此胜用于围饰发髻。

在日本的正仓院，保藏有两枚唐代华胜，据日本齐衡三年（公元856年）《杂财物实录》载：“人胜二枚……天平宝字元年闰八月二十四日献物”，日本天平宝字元年即为唐代至德二年（公元757年）。其中一枚为罗地金箔字，上面剪祝颂吉语：“令节佳辰，福庆惟新，曼和万载，寿保千春。”另一枚则用金箔刻了复杂的边饰，并饰以红绿罗的花叶，中心是一儿童在竹林下戏犬。

当时，还流行着一种用双丝绢帛剪成的小幡，叫做春幡, 或称幡胜、春胜，在立春那天，作为节日礼物，或簪于头上，或挂在柳枝上，亦或贴于屏风。崔道融所留传的诗中，有这样的词句：“欲剪宜春字，春寒人剪刀”，这里所讲的“宜春帖子”，也就是现在人们所熟悉的“剪纸艺术作品”。李商隐在《骄儿诗》中写：“请爷书春胜，春胜宜春日。”意为骄儿衮师请父亲在剪彩制成的春幡上写“宜春”二字。因为立春之日为春天的首日，象征万物复苏欣欣向荣，所以唐宋时期，人日剪彩这一民俗活动渐渐集中到立春这天，人们剪制各种幡胜、春幡、春燕、春蝶等等，作为节日礼物。皇帝在这一天也接见群臣，并分别赐以金银幡胜或者罗幡胜。段成式《酉阳杂俎》说：“立春日，士大夫之家，剪纸为小蟠,或悬于佳人之首，或缀于花下，又剪为春蝶，春胜以戏之。

宋代关于剪纸的记载就很多了。在南宋时期，已出现了以剪纸为职业的艺人，有的善剪“诸家书字”，有的专剪“诸色花样”。有的将剪纸作为礼品的点缀，有的贴在窗上，有的装饰灯彩，还有的剪成所谓“龙虎”之类。这时，皮影盛行，雕镂皮影的材料，除了动物的皮外，也有用厚纸制作的。周密《志雅堂杂钞》载：当时京城沛梁“向旧天都街，有剪诸色花样者，极精妙，随所欲而成。又中瓦有余敬之者，每剪诸家书字皆专门。其后，忽有少年能于袖中剪字及花朵之类。更精于二人，于是独擅一时之誉。”即是“开封”府，“剪花样”指的自然是“剪纸”。

宋代女词人李清照在一首“菩萨蛮”中写道：“烛底凤钗明，钗头人胜轻。”有一种鸟，因头项长有金**大羽冠很像插着一枝幡胜，而被命名为戴胜鸟，韦应物《听莺曲》中“伯劳飞过声局促，戴胜下时桑田绿”，胜成为春归大地的象征。

宋代陈元靓《岁时广记》载：“元旦以鸦青纸或青绢剪四十九幡，围一大幡，或以家长年龄载之，或贴于门媚。

宋代剪纸用于工艺装饰的一个重要创造，是吉州窑的瓷器，产品有茶盏和花瓶等，图案题材很多，有凤凰、梅花、枇杷和吉祥文字等，造型生动、活泼，它是作者在施釉过程中，贴上剪纸，入窑烧制而成的。

现代民间蓝印花布，是用镂花纸板刮浆后仿染而呈现花纹的，这种印染工艺宋代已很普遍，山西省出土的南宋印花布便是一例。

明清人的笔记和地方志中也有记载剪纸名家的。如《苏州府志》载：“赵萼，嘉靖中制夹纱灯，以料纸刻成花竹禽鸟之状，随轻浓晕色。溶蜡涂染，用轻绡夹之。映日则光明莹彻，芬菲翔舞，恍在轻烟之中，与真者莫辨。” 明代的夹纱灯是很有名的。它是将剪纸夹在纱中。用烛光映出花纹，这是剪纸在日常生活中的又一应用，现在人们叫它“走马灯”。

《严州建德县志》载：“林文耀，字纲斋，幼即工书，中年失明，乃剪纸为字，势飞动若龙蛇，点画不差毫发。室人装潢成轴，……人称之日“林剪。”《保定府志》载：“名女，张蔡公之女也。有巧思，与人接谈，袖中细剪春花秋菊、细草垂杨．罔不入神；其剪制香奁，绝巧夺目，得之者珍藏焉。

清代陈云伯《画林新咏》说：“剪画，南宋时有人能于袖中剪字，与古人名迹无异。近年扬州包钧最工此，尤之山水、人物、花鸟、草虫，无不入妙。”并有诗曰：“剪画聪明胜剪书，飞翔花鸟泳濒鱼；任他二月春风好，剪出垂杨恐不如。”清康熙时，有位宫廷画家邹元斗，画有一幅祝福新年伊始的风俗画《岁朝图轴》画的上端绘有垂挂着的五枚彩色剪纸“门笼”。门笺的形式即是由春幡演变而来。

在清代，因满族人有剪纸的习俗，致使剪纸进入宫廷。在故宫，历代皇帝举行婚礼作洞房的神宁宫，墙壁按满族习俗裱纸，四角贴着黑色的双喜字剪纸角花，顶棚中心贴着龙凤团花的黑色剪纸；在宫殿两旁的过道壁上也贴有角花。据说有人用纸剪成有鹿、鹤、松的“六合春”图案，加以彩绘，贴于朝服上，连西太后都以为是绣出来的。

可以说剪纸艺术自诞生以来，就没有中断过。她流传面之广、数量之大、样式之多、基础之深比任何一种艺术都更加突出。在各种民俗活动中，她无时不在、无处不有，附丽于生活，充实了生活，以她特有的方式默默地唤起人们对生命的追求，对生活的信念，对国富民康的企盼；她将人们平凡的生活点缀得如此瑰丽多姿，充分寄托和体现了我们中华民族对真善美的追求和向往；她为满足人们更高的社会性的精神需要而茁壮成长。

如今，剪纸的天地更为广阔了，它早已走出了庄户人的小院，走入现代设计的广阔天地，在产品包装设计、商标广告、室内装演、服装设计、书籍装帧、邮票设计、报刊题花、连环画、舞台美术、动画、影视等各个方面都有她的清影；她也走向世界，名扬四海，成为全人类的文化财富与艺术瑰宝。随着历史的进程，许多民族的、传统的东西被渐渐淡化、湮没了。然而，真正文明的标志应是传统文化和现代文化并存，共同发展。愿这棵古老的艺术之树常绿常新。

剪纸的派别

蔚县剪纸、丰宁满族剪纸、中阳剪纸、医巫闾山满族剪纸、扬州剪纸、乐清细纹刻纸、广东剪纸、傣族剪纸、安塞剪纸、磁性剪纸

剪纸·蔚县剪纸

河北省蔚县

蔚县位于河北省西北部，以出产剪纸而闻名。蔚县剪纸又称“窗花”，是当地民间一种传统的装饰艺术，至今已有二百多年的历史，初始图案多为花卉一类的吉祥纹样，后融入天津杨柳青年画和武强年画的艺术特色，形成了自己特有的风格。经刘老布等剪纸艺人共同研究，对创作工具进行改革，部分纹用刻刀由单幅剪转变为成批刻，使蔚县剪纸工艺有了新的提高。20世纪初，在王老赏、王守业、周永明等艺人的带动下，蔚县剪纸的风格越来越突出，走出了民间剪纸的一般格局，具有了更为深厚的人文内涵。

蔚县剪纸是民间社会的产物，更是百姓生活的写照。它题材广泛，花样繁多，有戏曲人物、戏曲脸谱、神话传说、花鸟鱼虫、家禽家畜、吉禽瑞兽等多方面的内容。蔚县剪纸的刀工既有北方民间剪纸粗犷、质朴的特性，又有南方剪纸细腻、秀丽的风格。它色彩浓艳，对比强烈，装饰感强，民间味浓，富有韵味节律，呈现出妩媚娇艳、淳朴华美的艺术魅力，为世人所青睐。

在品类繁多的民间剪纸艺坛上，蔚县剪纸以构图饱满、造型生动、色彩绚丽、工艺奇特的艺术风格独树一帜。它以阴刻为主，阳刻为辅，阴阳结合，复用多色点染彩绘，达到了工致传神、雅俗共赏的效果。

剪纸·丰宁满族剪纸

河北省丰宁满族自治县

河北省丰宁满族自治县地处塞北，民间流传的丰宁满族剪纸始于清代康熙年间，至乾隆年间形成了具有地域特征与民族特色的新异风格，它以阳刻为主，阴刻为辅，批毛纤长，剪工精细。清末民初丰宁满族剪纸进入鼎盛时期，1949年后在形式和内容上又有了进一步的发展，更为贴近现实生产与生活。1960年以后，剪纸艺术创作堕入低谷。1982年，丰宁民间剪纸队伍重新建立，其作品随着各种展览和出国表演在海内外造成广泛的影响。1993年，丰宁被文化部命名为“中国民间剪纸艺术之乡”。

丰宁满族剪纸从内容上可分为吉祥剪纸，花鸟鱼虫剪纸，山水风光剪纸，人物、盆篮碟盘瓶、瓜果、动物、花字剪纸等类。由表现形式看，它包括单色剪纸（红、白、黑等）、点染剪纸、填色剪纸、复色组合剪纸等品种。根据具体用途，又可分为窗花、祭神祖吊签（挂签）、阴天扫天婆、节令剪纸、礼花（结婚的喜庆剪纸、葬丧的素色剪纸等）、日常室内装饰用顶棚花、风斗花、炕围剪纸等。在我国众多民间剪纸之中，丰宁满族剪纸以其特有的艺术魅力占有一席之地。

目前丰宁满族剪纸的传统技艺大多留存在70岁以上的老人手中，面临失传的危险，亟待抢救、保护。

剪纸·中阳剪纸

山西省中阳县

山西省中阳县位于黄河中游黄土高原的吕梁地区。这一带民俗文化积淀极为深厚，保留着许多原生态的人文环境，由此形成中阳剪纸古老的民俗文化内涵与艺术形态。

中阳剪纸主要分布于中阳县境内南川河流域、刘家坪地区和西山边远山区。南川河流域的民俗剪纸风格细腻、古朴典雅，在中阳剪纸中占据主流地位。刘家坪的剪纸风格纯朴、刚健，西山边远地区的剪纸风格粗犷、浑厚，与南川河流域剪纸的主流风格相依相存，丰富着中阳剪纸的特色。

中阳剪纸与当地传统民俗文化血肉相连，它以中阳当地民俗信仰、岁时节令、人生礼仪、神话传说为主要表现内容，其中既有以鱼、蛙、蛇、兔为主题的装饰纹样，也有配合岁时节令、人生礼仪的民俗剪纸，还有以民间神话为题材的剪纸作品。中阳剪纸多以红纸剪成，体现着喜庆、热烈的民俗气氛，有时也根据风俗习惯，运用紫、黑、黄、绿、蓝等彩色纸剪制作品。中阳剪纸的主要作者是中阳农村中的劳动妇女，剪纸是她们日常生活中一项重要的内容，是她们审美情趣和聪明才智的集中表现。中阳剪纸富有浓郁的山野泥土气息和原始艺术质朴的美感，生动形象地记录了劳动妇女的理想和追求。其技艺的传承关系一般是自发的，亦有以家族方式传承的。现在主要传承人有王计汝、高宝香、刘玉莲、王中文、马翠莲等十几人，年龄已在60岁以上。这些老人一旦离去，中阳剪纸势将面临后继无人的局面，最终走向消亡。所以应尽早采取措施，对之进行抢救。

剪纸·医巫闾山满族剪纸

辽宁省锦州市

医巫闾山地区满族民间剪纸艺术以满族人原始的自然神崇拜、始祖神崇拜、生殖繁衍崇拜以及满族风俗为主要表现内容。医巫闾山地区满族人的原始崇拜活动中往往要制造图腾形象，或用树皮、兽皮剪刻诸神形象，或用木材雕刻神偶的形象等等。这种仪式造像活动历年相沿成习，最后发展成为一种剪纸艺术，既保留了东北满族的人文特征，又具有独特的艺术形式和丰富的萨满文化内涵，是研究民族文化融合的重要史料。

医巫闾山满族民间剪纸不但内容丰富，且造型简洁，纹样古朴。它不用繁琐、细密的剪法，不求精致、准确的造型，而主要以博大恢弘的气度和朴拙古茂的神韵取胜。

数百年来，这种满族民间剪纸艺术在医巫闾山地区的北宁市、凌海市、阜新市、义县等地流传，世代相承。在许多城乡地区，众多妇女参与剪纸活动，产生出许多技艺高超、成果丰富的艺人，形成祖辈相传的传承谱系。目前，尚有侯桂芝、马凤云、黄连玉、汪秀霞等十余家谱系仍在传承相续。随着老一代艺人逐渐逝去，将后继乏人，在现代生活方式的冲击下随时都可能走向衰亡。因此有必要制定方案，对这一古老的民族民间艺术实施保护。

剪纸·扬州剪纸

江苏省扬州市

扬州是中国剪纸流行最早的地区之一，唐宋时期就有“剪纸报春”的习俗。扬州人在立春之日剪纸为花，做成春蝶、春线、春胜等样式，“或悬于佳人之首，或缀于花下”，观以为乐。另外还剪制纸钱、纸马等，专门用于祭奠。至清代，扬州商业兴盛，剪纸艺人亦数量大增，嘉、道年间的著名剪纸有艺人包钧等，技艺超群，有“神剪”之誉。扬州的剪纸艺人还根据需要创作绣品底样，大至门帘帐沿、被服枕套，小至镜服香囊、绢帕笔袋，有绣花必有纸样，扬州人称剪纸样的艺人为“剪花样的”。

扬州剪纸线条清秀流畅，构图精巧雅致，形象夸张简洁，技法变中求新，形成了特有的“剪味纸感”和艺术魅力，为中国南方民间剪纸艺术的代表之一。其用纸以安徽手抄宣为主，厚薄适中，无色染，质地平整。

现代扬州剪纸的主要传承人为张金盛（艺名“老张三麻子”）和张永寿（艺名“小张三麻子”）父子俩。张永寿从艺七十多年，其剪纸已从实用性的花样转入富有装饰性的主题性创作，作品显现出写实、变化、概括、夸张的风格特点，总结有“圆如秋月、尖如麦芒、方如青砖、缺如锯齿、线如胡须”等剪纸要诀，为后辈剪纸艺人留下了宝贵的“创作经”。张永寿毕生创作了数千件作品，其中的《百花齐放》、《百菊图》、《百蝶恋花图》等艺术价值极高，被人们称为“剪纸艺术中的观止之作”。1989年，张永寿先生逝世，其第三代传承人虽也取得了一定的艺术成就，但功力和灵气都无法超越前代。到目前为止，扬州剪纸技艺后继