很多客官老爷都在反应一看到简谱就犯难，那么简谱上面到底都记录了些什么呢？今天我们就用一节课的时间来教你如何读懂简谱。

首先我们先来看一下我们常见的简谱到底都记录了什么东西。我们用小星星这首歌来举个例子。

首先是歌名、调号、拍号、曲谱以及歌词。关于调号，通常谱子上面会写1=C简单说就是C调就是以C音为1，D调就是以D音为1。我们暂时先这么理解就好了。

那么D音到底是多高呢？那我们就需要借助乐器了，因为如音钢舌鼓是D调乐器，所以我们敲一下如音钢舌鼓的1，这个音就是D音。关于这个问题这里就不展开说明了。

下面的乐谱详细信息我们要怎么来读懂呢？简单的来说乐谱对我们最重要的两个信息就是音符以及这个音符要保持多长时间才敲下一个音，我们称之为时值。先来说一下音符，大家在乐谱上看到了很多数字1234567，他们在音乐里面的名字叫做 do re mi fa sol la si我们还可以看到上面带点的和下面带点的音符，上面带点的叫做高音记号比如高音1 下面带点的叫做低音记号比如低音5 当然还有上面2个点，和下面两个点的倍高音和倍低音。只是不是很常用。还有一个特殊的音符0休止符，休止符的意思是什么都不做。一会我们来详细说明一下。

那么我们怎么知道这些音要保持多长时间才敲下一个音呢？

下面我们要说到的概念就是时值，你回忆一下我们上音乐课的时候老师是不是曾经对你说过，这个音要唱一拍，这个音要唱半拍，那么什么是一拍呢？我们用字母V来解释这个问题，我们用手指在半空中画一个V的时间就是一拍，当然有的人画的快，有的人画的慢。那不是每个人演奏歌曲的速度就不一样了么？这里音乐里面还有一个单位叫做BPM，有一些曲谱会记录这个信息。比如这首歌是BPM60，那就是1分钟画60个V，等于1秒钟画一个。如果我们要精准的按照原歌曲的速度去演奏的话，我们有可能就需要一个节拍器了，

但是大多数情况下我们就按照我们喜欢的速度去演奏就好啦。现在大家记住画V这个动作，我们继续往下说。

我们最常见的时值就是四分音符了他的样子就是音符本身，（它可以是1234567或者是包括休止符在内的任何一个音）这里我们只是拿1来举个例子。

只要上面没有任何的标记，他就叫四分音符，四分音符就保持你画一个V的时间就好了。

常用的音符还有

8分音符-----------------------  1/2（05）个V的时间

16分音符--------------------  1/4（025）个V的时间

2分音符-----------------------  2个V的时间

全音符-----------------------  4分V的时间

接下来我们说一下附点音符，在原有的音符后面加个点我们称这个音符为附点音符，也就是刚才我们所说的任何一种音符后面都可以加个附点，附点音符的时值是

本身音符的时值+本身音符时值的一半就等于这个音符的时值

我们拿附点四分音符来举例子。四分音符本来的时值是一个V再加上四分音符时值的一半，半个V 加在一起就是15个V。大家能听明白么？或者我们用一个公式来计算一下，我们假设原本的音符为X 那么计算附点音符的公式就是

X/2+X= 

按照这个公式计算附点8分音符的时值是多少呢？这道题留给大家思考一下吧，大家可以把答案留言回复给我。我们常用的时值就这些了。

刚才跟大家提到的休止符应用到时值内就是这个时值的时间什么也不做，四分休止符就是一个V的时间什么也不做全休止符就是四个V的时间什么也不做。大家暂且先这么理解好了，休止符是个很长的话题，如果之后有时间我会跟大家细聊。

接下来我们说一些谱子上面常用的符号

这条线有两个名字叫做连音线也可以叫做圆滑线

当这条线连接的音是相同的音时这是这条线叫做连音线表示的是将这两个音符的时值加在一起中间不断比如这两个1用连接线连起来就表示这个1要保持两个V的时间相当于二分音符的时值。

当它连接不同音符时它叫做圆滑线，在歌谱上面通常代表多个音对应一个字。

如果用如音钢舌鼓去演奏的话，大家暂且就当没看到这条线就好了。

接下来我们反复记号通常他们是一左一右对应的指的是范围内的小节要敲两遍如果只有右边的一个，那么乐谱默认是从头再演奏一遍。

接下来要说的是跳房子通常它们是和反复记号一起使用的意思是第一遍演奏房子1里面的音符，第二遍跳过房子1直接演奏房子2里面的音符如果没有房子3那么就继续演奏后面的音符

然后我们说终止线出现在曲谱的结尾

最后我们来说说拍号

比如4/4拍书本里面的说法是以四分音符为一拍，每小节有四拍。我想大家看了以后一般都很难搞懂这是什么意思吧。简单的来说 4/4拍就是每个小节里面的音符时值加在一起正好是4个V 我们还是以小星星为例子

每个小节里面的音符加在一起正好都是4个音，大家可以在我们的曲谱里面找一下4/4拍的歌曲，自己计算一下。

我们常见的拍号还有2/4、3/4、6/8拍。

那么2/4拍的意思就是一小节有两个V

3/4拍就是一小节有3个V

接下来我们来说一下6/8拍

那么他在书本里面的意思就是以8分音符为一拍每小节有6拍。

我们遇到6/8拍这时我们把8分音符看作一个V 每个小节里面的音符时值加在一起有6个V。

好了，现在简谱上面的常用知识就介绍的差不多了。我们在练习打拍子画V的时候一定要一直保持一个速度，匀速的画。刚开始的时候我们可以画的慢一点。当然除了用手画，我们还可以用脚或者点头来代替，这样更方便我们更好的演奏。这下你知道为什么好多歌手在演唱的时候脚一直在动了吧？他们跟我们一样在画V。

怎么样，你学会了么？大家赶快去我们附赠的乐谱上面找一首自己越来不会唱的曲子练习一下吧。

[音乐常识]致初学作曲的业余音乐爱好者

首先，来说说音阶，因为这里有很多术语回头会用到，所以必须从这里说起。

常用的音阶有六种，包括一种大音阶，三种小音阶，半音阶和全音阶。通常旋律与和声，还有调式等都是构造在大音阶或小音阶上的。这是一部乐曲的基础，所以在了解一切之前必须先了解这个。一般人都喜欢从音程开始入手，可是我感觉音程没什么可说的，无非是根据跨越的半音数量来起个名字。现列表如下，讲解略去。

包含半音数量 音程名称 举例

1 小二度 C - bD

2 大二度 C - D

3 小三度 C - bE

4 大三度 C - E

5 纯四度 C - F

6 增四度 C - #F

7 纯五度 C - G

8 小六度 C - bA

9 大六度 C - A

10 小七度 C - bB

11 大七度 C - B

12 纯八度 C - c

13 小九度 C - bd

14 大九度 C - d

15 小十度 C - be

16 大十度 C - e

只是注意一点，不把数学概念用在这里。比如，两个纯四度相加不是纯八度，而是小七度。还有，度前面的数字是根据大音阶上音的数量计算的。

废话少说，开始说音阶。

大小音阶各有七个音，分别构成音阶的七个级。最基本的音阶是自然大音阶，就是do re mi fa sol la ti。这是按照五度相生法构造的。具体构造方式不实用，这里就略去了。

每个级的音都有自己的名称，下面按照重要程度一一叙述。以C D E F G A B为例，唱名仅按照该大调音阶。

C(dol)是主音，是自然大音阶的根本之根本，音阶的名称也是根据这个音来的。比如C D E F G A B叫C大调音阶，E #F #G A B #c #d叫E大调音阶等等。

G(sol)是属音，其重要性仅次于主音。

F(fa)是下属音，也是非常重要的音。

D(re)是二重属音，也就是属音的属音。因为在一个调子的属调里面，属音就是原来调子的二重属音。

E(mi)是中音，因为它的位置在主音和属音中间。

A(la)是下中音，因为它的位置在下属音和主音中间。

B(ti)是导音，这是音阶中最不稳定的音，有强烈的进入主音的要求。所以，尤其是在终止式里面，导音进行到主音几乎是一切进行中优先级最高的。

嗬嗬，这些还是预备知识，虽然可能有很多人知道，不过以后频繁要用到，所以为了让更多业余爱好者了解，还是提了一下。

自然大音阶最大的特点就是三音是大三度(当然是和主音的关系)。在自然大音阶里面，所有音程不是大音程就是纯音程，没有小音程的。

现在开始说三种小音阶。

首先，和声小音阶。所谓和声小音阶就是把大音阶的三度和六度变成小音程。这两个音(中音和下中音)是对调性最敏感的两个音，把它们变成小音程会是音阶的色彩从太阳变成月亮，从阳性变成阴性。

比如C大调：C D E F G A B，对应地c小调和声音阶应该是C D bE F G bA B。本来是do re bmi fa sol bla ti，可是听起来却像是la ti do re mi fa #sol la。待会儿还会说到。

和声小音阶的特色是那个增二度。即从小六度到大七度的跳变(忘了说了，呵呵，大音程和纯音程多一个半音是增音程;小音程和纯音程少一个半音是减音程。)这个音阶的无限魅力就在这个跳变上。许多欧洲作曲家在模仿东方异国情调的时候都喜欢来回来去地强调这增二度。

另一个小音阶是旋律小音阶，这个音阶只有三度是小音程，其他都和大音阶一样。所以，我认为一个音阶的三音是决定这个音阶色彩的最重要一个音。不过注意这个音阶在下行的时候是要把六度和七度全都变成小音程的。这种做法由于抹平了那个增二度，所以旋律更加圆滑了。

最后，自然小音阶。这个音阶的三度，六度和七度全都是小音程。这样，do re bmi fa sol bla bti就完全变成了la ti do re mi fa sol。于是，我们不用主音作为小调的调名，而是用三音。这样，小调的谱号就要从上方小三度的大调去借，这是小调会多出三个降号来。比如，C大调没有升降号，可是c小调却有三个降号;又如，#F大调是六个升号，可是#f小调却只有三个升号。

半音阶。顾名思义就是由半音组成的，一共十二个音。用处很广，不过最好熟练掌握之后再用。最早是mozart提倡的，他带得他的老师haydn都开始用半音阶了，而且相当精彩。

全音阶。当然都是全音了，每两个音之间都是大二度。由于12/2=6，所以全音阶实际上只有两个：C D E #F #G bB和bD bE F G A B。这种音阶没有调性，听起来很玄。是德彪西的最爱。如果是初学者的话尽量避免，如果要八度老兄那样的我就管不着了。

终于说完了，这些是点基本理论，还有很多旋律和声部写作的惯例和禁忌，以后还有，呵呵。

（二）

呵呵，这回轮到曲式了。说到曲式，那可是我最早接触的音乐理论之一了，我看的是匈牙利近代三大音乐家之一魏纳。莱奥所作的<器乐曲式学>，用贝多芬的钢琴奏鸣曲作蓝本讲述以器乐为主的奏鸣套曲中的曲式。

我之所以在高中的时候就开始看曲式，主要因为曲式相对于其他学科来说对专业要求比较少，只要知道一些关于调性的东西就可以了，不像对位法，死难死难的，科班的都学不好。

好了，现在开始。再重申一下，我不是专业，所以我讲的就是经验之谈，不是书本知识。(当然，也有来自书本的经验)

一首乐曲中，最小的单位是什么音。废话!不过单音没有任何意义，也就省去了，放到旋律的写法中来讲。在创作中，最小的单位应该是动机了。所谓动机，就是展示你旋律特征的一到两小节的短旋律，不要求完整，只是把鲜明的特征表述出来即可。一个模进的旋律就是由一连串动机构成的。动机是构成音乐的基本素材，无论是呈示，还是展开，都要用到这样的素材作基础。各个段落以及乐章之间的紧密联系也都是和动机分不开的。

一部音乐，最重要的主题，没有主题的音乐好像没有脑袋的人(嗬嗬嗬，有点儿荒诞吧)，是不可理解的。主题的定义很模糊，魏纳。莱奥也没有给出一个确切的定义。总之能让听者进入状态的就是主题了。主题也有好多的结构呢，从最简单的乐句到复杂的综合乐段，都是主题。大家在写作的时候可以挑选着用，我来一一描述一下：

乐句：一个完整的句子，就像写文章一样，一直到让人产生"句号"的感觉(也就是终止)为止。乐句的终止可以是完全终止(结束在主和弦上)，也可以是不完全终止(结束在属和弦上)。甚至可以不用终止，直接进入下一段。这时没有终止的乐句就称作开放式乐句。比如钢男的那个impromptu的中段(Trio，三声中部，一会儿会讲到。)就是一个开放式乐句。

重复乐句：超级简单，就是把一个乐句重复一下，不改动或者作一些修饰性质的改动。mozart特别喜欢用这种重复乐句。

乐段：也是由两个类似的乐句构成，不同于重复乐句的是，在终止上作了本质的修改。最普通的做法是前乐句不完全终止，后乐句是完全终止。这个非常常见，在mozart等人的sonata里面经常出现，大家应该有所体会。另外在前后乐句之间可以插入短小的动机作为连接。

重复乐段：不用我再废话了吧两个一样的乐段。在小步舞曲(menuetto)当中大量出现。

三部乐段：呵呵，这个有些像元曲当中的"鼎足对"，就是把原来两部分的东西变成三部分了。分成前乐句，中乐句和后乐句。这时三个乐句的终止式就非常微妙，有兴趣不妨琢磨一下。beethoven在处理时意外地把中间的的乐句转到下属调上，然后在下属调上面用了个完全终止。

复合乐段：就像把乐句攒成乐段那样，就可以把乐段攒成复合乐段。

综合乐段：如果乐段前后乐句在材料上(也就是动机上)发生了本质的变化，或者说前后乐句用的不是一个材料，这样构成的乐段就是综合乐段。这种乐段会让你的作品更加富有变化。

三部综合乐段：三部乐段，其中每一部分都是不同的素材，就是这种乐段。这是最复杂，最奇妙的一种，因为，三个部分可以是乐句，也可以是乐段，也可以交替使用。

注：乐段也可以是开放的。

这些其实是一些基本的主题结构，魏纳。莱奥之所以讲了许多是因为后面他要分析beethoven全部的32部sonata，在我们业余爱好者来说，不必了解的那么精深，大略知道一些就足够了。下面开始讲真正的重头戏--曲式。

从二部曲式开始吧。这个可是最最基础的曲式了，可以说一切的曲式都是从这个演变来的。因为在最初写作的时候，作曲家最简单的方法不过是把曲子分成两部分，随后这两部分就逐渐有了定型。单二部曲式的结构是(A B)，也就是两个部分。这不仅仅是简单的划分，而是互相有联系的。通常A段是以不完全终止结束，然后B段用A段的素材在变化和弦，通常是七和弦或九和弦上开始，最后再用相似的材料在完全终止上结束。

在bach和haydn的作品中(haydn限于早期，因为晚期他已经把奏鸣曲式发展出来了)，有大量的这种曲式出现，但是稍有不同。在B段的末尾有大量的A段素材出现，造成了结构听上去像(A BA)，这样的二部曲式称作带有再现的二段曲式，比通常的更加完善一些，这种结构也直接导致了三部曲式的出现。

三部曲式中，(也叫三段式，不过名字听起来有些。。。想起亚理士多德和卢卡西维奇来了。)三部曲式的结构为(A B A)，和带有再现的二段曲式很像，但是不同在于B段相对独立，可以完全使用新的材料，也可以继续使用A段的材料。而且再现A段相对完整，而不是只有一个A段特征的小乐段加上一个完全终止。这里的再现A几乎可以和呈示A一模一样。重复一般为(||：A：||：B A：||)，也有省略前面或者后面重复的。A或B只有一个乐句或者乐段，不可再分的，称作单三部曲式。

有单三部曲式，当然就有复三部曲式啦!如果A段或B段本身又是一个二段或三段式，整个乐曲就是一个复三部曲式了。这是乐曲的结构已经相当丰富，完全可以作为套曲的一个乐章了，这就是第三乐章，小步舞曲(menuetto)或者谐谑曲(scherzo)。回头要说。现在研究研究复三部曲式的调性和结构。复三段式的中间B段在早期作品中一般以三重奏(Trio)的形式出现，称作三声中部。大多数情况下三声中部用另外的调性，这样可以让听众不至于在长大的作品之中感到烦躁。当然也可以不转调。至于转向的调性，通常有以下几种：

1、属调：颜色更加明亮。

2、下属调：颜色更加柔和，这是速度宜放慢，要是保持速度不变的话至少也要把节奏放慢。

3、同名大小调：颜色的性质发生了变化。

4、上方大三度的调性：色彩忽然闪亮。

5、下方大三度的调性：色彩忽然变得柔和，有圆号的感觉。

另外复三部曲式结构还可以加以变化，比如前面加引子，后面加尾声，或者使用多个三声中部等等。两个三声中部的结构如下：A：二段式主题--B：三声中部I--A：二段式主题--C：三声中部II--A：二段式主题。这时至少要有一个trio转调，否则就会使乐曲枯燥无比，即使是催眠曲也将不会有这样好的催眠效果。

j。s。bach的勃兰登堡协奏曲第一部最后乐章就是复杂的复三段式，结构为：A：二段式主题--B：Trio_I--A：二段式主题--C：波兰舞曲--A：二段式主题--D：Trio_II(这个我在共享区上传过)--A：二段式主题。长大，没有转调，但巴赫借助乐队的变化避免了枯燥。

复三部曲式经过进一步变化之后，发展成了两个非常常用的复杂的曲式--奏鸣曲式和回旋曲式。

奏鸣曲式吗，自然是在奏鸣曲里面大有用武之地了。九成以上的奏鸣曲第一乐章都是奏鸣曲式的。在这种优美的曲式里面，对称的美与不对称的美做到了统一，规律与变化达到了和谐。奏鸣曲式的大结构是这样的：(引子)--呈示部--展开部--再现部--(尾声)。括号里面的可以省略。每一个部分都有详细的结构：

呈示部：主部主题--(连接部)--副部主题--结束主题群。

展开部：相当自由，没有什么限制。

再现部：主部主题--副部主题--结束主题群。

现在研究一下调性。

呈示部：主部主题自然出现在乐曲的调性上，副部主题就要转调了，而且这个转调在呈示部是必须的。一般大调转向属调，或者上方大三度(比如贝多芬<黎明>，C转E)，有时也往下属调转;小调最常见的是转到关系大调(如c->C)，同名大调(如c->bE)或者是属调。可以直接转调，也可以通过一个插部来过渡。跟在副部主题后面的，是一个一个的结束主题。主题的数量是乐曲规模的标志，一般在三四个左右。mozart的曲子里面结束主题排列有序，整齐化一，是标准的参考资料。呈示部一般重复一遍。

展开部：一般来说展开部没有什么限制，素材可以从呈示部或引子里面拿，也可以出现新的旋律。但是也不是一点限制都没有，所谓调性的自由是指要不停地转调，转调，转调，一直到转的彻底晕菜了为止。等到实在不行了，再把调性引回来到再现部。

再现部基本上是呈示部的重复，不过有些人喜欢在主部主题把调性转到下属调上去。这一次的副部主题不能再转调了，因为乐章接近结尾，要把调性稳定下来了。小调奏鸣曲的大调副部主题要改回小调，并要在乐章的调性上面。结束主题也要力求平稳，可以做同名大小调的变化，但不可有太大的动作。在协奏曲的奏鸣曲式中，再现部结束主题的末尾部分可以安排一个长长的大三和弦，然后可供独奏者演奏华彩段。可以加入尾声，尾声可以向下属调离调，是很不错的处理方式。

还有一种简单的小奏鸣曲式，就是用一个经过句代替展开部。有一个很有名的例子就是mozart<费加罗的婚礼>序曲。

回旋曲式。回旋曲叫Rondo，源自欧洲的一种乡村舞曲形式--轮舞。这种曲式的特点就是有一个风格鲜明的主题，反复出现，至少三次以上。最适合用作套曲的终曲。海顿创立的原则就是最后一个乐章为乡村舞曲风格的Rondo。回旋曲式有两种形式，下面容我一一道来：

第一种：简单回旋曲式。这个有点像经过扩展的复三段式，结构为主题--插部I--主题--插部II。。。--主题--(尾声)。不同的是插部的体裁不限，不一定是trio。而且主题每次出现都可以做各种修改，甚至调性都是自由的，你可以来回来去地改变调性，只要在结束的时候改回来就可以了。插部的安排，调性的变换，一切都在你的控制之中。这种结构通常用在第二乐章慢板和终曲当中，一个很好的例子就是mozart的弦乐小夜曲ein klein nacht musik， kv525的终曲。调性变换非常频繁。

第二种：奏鸣回旋曲式。呵呵，这个有些像回旋曲，结构是呈示部---展开部--再现部。怎么一样呢!嘿，细节不一样，来看一下：

呈示部：主题--副群--(主题)。所谓副群就是副部主题加上结束主题，有时只有副部主题。要是没有那个括号里面的主题不就是奏鸣曲式了吗没错，可是这会的括号里面的主题很少省略。调性吗，副群转调啊，其他都在本来调性上。

展开部：这次可更加自由了，不光能像奏鸣曲式那样乱转一气，还能用类似复三段的trio来代替展开部。更有甚者，还可以用更加自由的幻想曲来代替展开部。至于其他形式吗，看作者的喜好了。不过要避免重复，因为Rondo本来重复就够多的了。

再现部：主题--副群--主题+尾声。最后的尾声和主题是很紧密的，而副群也回到了原来的调性。

嘿嘿，这不就是奏鸣曲式多出现一次主题吗没错，所以叫奏鸣回旋曲式。很工整。下面来看一下完整结构：

主题--副群(转调)--主题--展开部(或trio，或fantasy)--主题--副群(不转调)--主题+尾声。

再对比一下普通回旋曲：

主题--插部I--主题--插部II--主题--插部III。。。主题+尾声。

呵呵，原来就是一种特殊形式啊。不错，这样的曲式在终曲里面应用最广。如beethoven悲怆奏鸣曲的终曲，中间用的是trio。

最后一种，变奏曲式。这个不难，首先有一个主题，一般是二段式，速度中庸。在这个主题的基础上发展出无数的变奏，一般调性不发生变化，最多就是同名大小调之间的变换。不过速度和风格可一定要有丰富的变化，否则本来主题和变奏就很像。。。

当然，还有一种不规则的变奏，无论是和声还是调性都可以与主题相去甚远。

在结尾一般有一个尾声，或者快速的变奏，要么就是把主题再现，然后加上尾声(常用)。

看一看结构：

主题--变奏i--变奏II--变奏III。。。(主题)+尾声。

代表作：舒曼的<交响练习曲>，里面有各种各样的变奏，有规则的，也有不规则的，一共十几个。尾声写的漂亮极了。

哈，终于打完了。不过还有套曲的整体结构没有说，下次再说吧。

（三）

曲式还有一种，就是套曲的曲式。

一般的套曲，指的是奏鸣套曲，由演奏乐器的不同，所得的名称也不同：

单一乐器演奏的，叫奏鸣曲或无伴奏奏鸣曲。如钢琴奏鸣曲，无伴奏小提琴奏鸣曲。

由独奏乐器加上伴奏乐器演奏的，叫独奏乐器的奏鸣曲。如小提琴奏鸣曲(小提琴和钢琴/吉他)。

由少量独奏乐器演奏，每兼乐器只负责一个声部的，叫重奏曲。如弦乐四重奏(小提琴两把，中提琴，大提琴。)，钢琴三重奏(钢琴，小提琴，大提琴)，木管五重奏(长笛，单簧管，双簧管，大管，圆号)。

由独奏乐器(可以是多个)和乐队演奏的，叫独奏乐器的协奏曲。如圆号协奏曲，管弦乐队协奏曲，声乐协奏曲。

由完整的管弦乐队演奏的，叫交响曲。交响曲有时加入合唱队。

无论是哪一种套曲，统称为奏鸣曲。比如，交响曲只是奏鸣曲的一种，钢琴奏鸣曲也是奏鸣曲的一种。

现在说说奏鸣套曲的结构。这个结构是经过长期发展得到的，最后在海顿手中得以定型，因此人们称海顿为"交响乐之父"。今以奏鸣曲为例。

一般，奏鸣曲分为四个乐章，按照快慢相间的原则来配置。

第一乐章，通常为快板(Allegro)，曲式一般用奏鸣曲式，是最紧张，最具有戏剧性的一个乐章。第一主题常常很鲜明有力，第二(副部)主题则以歌唱性的旋律和声为主，强调与第一主题的对比。展开部千变万化，这一切都构成了第一乐章的特色。第一乐章是整部作品的核心。

第二乐章，以慢扳(Largo， Adagio， Andante， Lento等)的浪漫曲为最常见，为的是强调和第一乐章的对比。曲式比较自由，一般用简单的二段式或三段式，另外变奏曲也比较常见，奏鸣曲式和回旋曲式亦不少见。该乐章是整部作品中最为深沉的一个乐章。

第三乐章，这个比较固定，一般不作变化。要么是中庸速度(Tempo di Menuetto)的小步舞曲，要么是急速(Presto或Vivace)的谐谑曲。曲式用的都是复三段式。在小型的独奏奏鸣曲中，这个乐章经常被省略，要么就是和终曲结合在一起。

第四乐章，终曲，急速(Presto， Vivace等)，在海顿的作品中是舞蹈的场面，在贝多芬的作品中则是胜利的结论。采用回旋曲式最多。是速度最快，情绪最高的乐章，一定不能被上一个乐章压制住。

在这些乐章之间有时还可以加入其他成分，比如我就加过间奏曲。不过是后期的做法。后期甚至把四个乐章写到一个乐章里面，号称但乐章交响曲。

以上是奏鸣套曲，下面简要介绍一下古组曲(Suite或Partita)的套曲曲式：

Bach的作品一般按照A-C-S-O-G的格式。

A：Allemande舞曲，亦称作德国舞曲，因为那个词在法语中就是指德国的一个民族。速度中庸。

C：Courante舞曲，有法国式和意大利式两种。前者强调高雅，后者强调流畅。快速。

S：Sarabande舞曲，西班牙舞曲，以符点为特色。贝多芬在<艾格蒙特>序曲中模仿过这种节奏。慢速。

O：Optional，只要不和其他乐章重复，可以任选一个舞曲作为这个乐章。一般有一下几种：

Menuetto：小步舞曲，唯一保存到奏鸣套曲中的舞曲。

Bouree：布列舞曲。

Gavotte：加沃特舞曲。

Passpied：帕斯比耶舞曲，源自法国，小步舞曲的前身。

Rigaudon：里高东舞曲，源自英国。格里格有很出色的作品。

Musette：风笛舞曲。

Loure：古风笛舞曲。

Polonaise：波兰舞曲，肖邦有大量名作。

Anglaise：英国舞曲。

Air：咏叹调。

G：Giga，吉格，苏格兰三拍子舞曲，急速，很像奏鸣曲的终曲。

可以看出，古组曲是由一连串的舞曲组成的。不错，因为套曲是从给舞蹈的伴奏中独立出来的。它最大的一个原则就是快慢相间，最早的套曲就是由一首慢速的孔雀舞和一首快速的加亚尔德舞构成的。

下面分析一下钢男的即兴曲，嘻嘻。请有兴趣者到钢男(钢琴男孩)发的"[原创]仿古即兴曲"贴子里面下载谱子。(技术论坛的音乐理论那里，那个是原作。)

整体结构是单三段式，调性为a->A->#F->a。谱子上的调号标记有些错误，最后再现A段应该是还原成C调的调号。

A段，1-17小节(算弱起小节)。A段是一个合乐段，因为前后两个乐句材料上没有发生变化，但是终止变了，后乐句出现了频繁的转调。第一小节是弱起，到第九小节为止是前乐句，实际上是一个八小节的乐句，停在半终止上;后乐句有些复杂，前四个小节重用前乐句，但是伴奏更加丰富。从14小节开始转调。14小节转到A大调，16小节是#f小调，17小节是#F大调，最后是#F大调的完全终止。

B段，18到27小节。开放乐段。18-25为前乐句，半终止;重复一遍为后乐句，但是由于终止不同，所以不是重复乐句。27小节一开始是完全终止，但是立刻就转到了a小调，并开放着。

A段再现。基本没有变化，最后的大调改成了小调。

关于B段的开放性我还是有一些疑问。因为如果把27小节那几个音看作是连接的话，B段就是一个以完全终止结尾的封闭乐段了。就像A段，结尾出也有一个连接用的音。

（四）

这次说说什么呢？

音乐是由三大要素构成的：旋律，和声和节奏。节奏没什么可说的，无非就是两拍子

强、弱，三拍子强、弱、弱，四拍子强、弱、次强、弱，其它的都是这几种的组合。

主要来说说旋律以及和声。这些都是我平时得出的一些经验，结合书本上的理论。

关于旋律，我记得书上大致是这么说的：

1、主音，属音和下属音本性平稳，称为“静音”；而重属音，中音和下中音本性多变，称为“动音”。

2、第七度本性极不稳定，称为“导音”。

3、动音要解决到相邻的最近的静音之一，而导音要上行解决到主音。

4、旋律的进行有四种，同音反复，级进，小跳和大跳。

5、一度音程的进行为同音反复，二度音程的进行为级进，三度到五度为小跳，五度以上为大跳。

6、大跳不宜使用，如果要用的话必须保证前后两个音在同一个和弦内。跳进之后一般反向进行。

7、有一种跳进可以任意使用，就是下行跳至导音，然后导音解决到主音。

8、旋律的线条，节奏要有一定规律，不能谁和谁也挨不上边。

9、模进就是同样的旋律在不同的高度反复出现。模进一般不超过四次，是好的做法。

10、乐句结尾处是属和弦，称为半终止或不完全终止；若是主和弦，则成为全终止或完全终止。如果应该解决到I和弦的，却解决到VI和弦上去了，则称做假终止。

11、前后乐句要有联系。关于乐句的结构请参看《曲式》一章。

按照简谱能吹出流利的曲子但是记不了简谱的主要问题是习惯了依赖乐谱的原因。

在演奏乐曲的时候，习惯摆谱，看谱看惯了，时间长了也就离不开谱了，有谱了也就没心思去记谱了，久而久之头脑丧失了记谱功能。

想脱稿演奏可以换一种记忆方式，不去想乐谱，靠耳朵去记忆旋律，但是要有一段过程的，反复地去听想记的一首乐曲，可以用乐器随着乐曲一起反复摸索试奏，有些印象后试着关掉音乐自己演奏这样反复去练，经常用已经会哼唱的曲子用乐器去反复演奏，只想旋律不想乐谱，慢慢积累，会达到脱稿演奏的目的，很多不识谱的人也会玩乐器，都是靠听觉去搞定的。

初学者怎么看钢琴琴谱

初学者学看钢琴琴谱：

1、背口诀 ：

在五线谱中，高音谱表的5条线是自下而上的排列的，最下面的是第一线，一次类推往上是第二，第三，第四，和第五线，要背的就是这些线上的音： 高音谱表一线mi 二线sol三弦si 四线re 五线fa；低音谱表中五条线的顺序是自上而下的排列 ；低音谱表一线la 二线fa 三弦re 四线si五线sol

一定要根据键盘来背这些线上的音,高音谱表上的一线mi是在中央C右侧的那个MI,低音谱表上的一线la 是在中央C左侧的那个la ,然后按照线的顺序高音谱表上线上的音依次向右侧排列,低音谱表上线上的音依次向左侧排列 。

2、看音的进行方向和音之间的距离 ：

在五线谱上,音越来越往高走,在琴键上就会越来越往右侧走,反之,则往左侧走

这就是五线谱上音的走向和键盘上音的走向的关系

五线谱上音与音之间的距离,我们只要知道几个基本距离就好了

在五线谱中,相邻的两个线上音之间的关系是隔一个音的关系;相邻的两个间(就是线与线之间的空格)上的音之间的关系是隔一个音的关系;相邻的线与间之间的音的关系是挨着的关系 五线谱上音与音之间的基本关系就是这三种,那么,其它的距离关系都可以通过音与音之间所隔的线和间来间接推算出来比如,高音谱表上三线si,那么有一个音在在五线上方的间里,那么这个音我可以用几种方法可以找到,第一种就是背线上的音,高音谱表五线fa ,那这个音比fa又高一个,则这个音就是sol;第二中方法,就是通过三线si来计算,这两个音之间隔了两条线那么线和线之间的音是隔一个音的关系,那么最上面的线就和si 是隔一个音再隔一个音的关系,则比最高的线再高一个音就应该是sal

练习时要注意看到五线谱上音向上走,手就向右侧移动,五线谱上音向下走,手就向左侧移动;音和音之间的距离是挨着,手指就挨着用;音与音之间是隔着的关系,手指也就隔着用,除非是琶音,要按照琶音的指法来安排

3、要上下两行对着一起看

要两行一起,上下对着看五线谱,比如上面一行有一个单音,下面一行有一个和弦,那么就将这几个音一起看,同时反应手指在键盘上的位置/然后,再横向的看下一组音,同样是上下对着看 这样,就可以看到两个声部之间的交叉点和配合了(就是对位),也可以看到两个声部的走向,也可以缩小注意力集中的范围,做到100%正确

4、正确的思维方法

先看(上下对着看第一个音)---à分析 用哪个手弹奏 用哪个手指弹奏 弹奏哪个音 弹奏几拍 节奏是什么样的 两个手之间的节奏是怎么配合的(也就是对位) 用什么弹奏方法来弹奏等等，分析好后,用相应的手指弹奏下去,弹奏这个音的同时,眼睛再用同样的方法继续看下一个音,再分析 ,再弹奏……

如此这样连贯看 想 弹下去就可以了

五线谱速读方法还有3 个要求要做到,这样才可以做到看 想 弹 这三者之间的连贯配合

这三个要求是:

1 眼不离谱 弹奏时,眼睛是要先看谱子的, 而且在手指弹奏这个音的同时,眼睛又要看下一个音,因此,眼睛是不可以看手弹奏的当然这不是绝对的要不看手,当手指要弹奏的音超过了8度,或是超过了手指可以用指距来量到的位置时,就要用眼睛的余光来看一下键盘,然后再迅速回到谱子上来

2 眼快于手 在视奏时,要先看再思考,然后才可以用手弹奏因此,眼睛一般比手快一个音的速度 这样,才可以做到思维的连贯性

3 手指对琴键上音与音之间的距离要熟悉 在视奏时,眼是尽量不离开谱子的,所以,为了不弹错音,手指就要对琴键上音之间的

新手怎么学识谱子啊

刚开始我也觉得很难，但是又必须知道怎么看谱，所以必须靠自己下来多分析五线谱，多找一些规律，别刚开始就看曲子的谱子，推荐你先找一个从最低的5开始一个一个往上变高的五线谱，从基础的看起看多了熟悉了就不由自主的认识了。

音乐入门 简单识谱

其实很简单的，五线谱C调：在原有的五条线下方加一条线，下加线上的音是1，那么下加一线一线和一线（原来书面上）第一条线之间的是2，一次在往上，线上占一个音，线之间“间”占一个音。你数数，二线上是5,3间上是高音1

如果简谱：1——7不用教。那么时值：X（就这样任意一个音）一拍子，是四分音符。

X-（注意，加了一条延时线）二拍子，是二分音符。

下加横线X（是在第一个例子的下面加横线）半拍子，八分音符

规律就是横线加在后面延长，横线加在下面变短。试试吧---加油

成人初学钢琴怎样识乐谱？

五线谱吗 很容易的 其实只要记住一个音的位置 其他俯音就可以数的出来了 最主要的还是要多读多唱 熟能生巧嘛 还有一个小口诀：一二三线mi sol xi 一二三间fa la do

简谱，乐谱怎么看啊！基本知识是什么？

1、2、3、4、5、6、7分别是do re mi fa so la xi，这些都是中音区，在数字上打点则是高音区，要高一个八度，在数字下打点则是低音区，要低个八度，以此类推，如果有两个点则在高或低一个八度

如何入门识简谱视频

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如何识谱弹唱快速简易教程，新手必看

初学者练习吉他分为三个步骤：

1、基础期：注重手型、姿势、指法；乐理注重音符、节奏、速度的学习；

2、学习期：和弦、和弦转换、右手对于音强弱速度的控制；乐理注重和声的学习；

3、技巧期：注重击勾滑弦在歌曲中的应用，较复杂的和弦掌握如7和弦、9和弦、13和弦等等；乐理注重学习调性；

初学者练习吉他前期有如下几点需要注意：

1、左手手腕的形态；

2、左手大关节发力的方式；

3、左手拇指的位置；

4、右手每个手指对应的琴弦以及拨弦的方式；

5、双手动作幅度要小，手掌以上尽量保持不动等等；

以上心得希望对您有用！

电子琴 简谱 初学者应该怎样自学

首先 电子琴的学习应该分为3个方面 我分别给你阐述

1 钢琴弹法基本技巧（即2只手分别弹奏不同的声部类似钢琴）。书先用拜厄里面的基本练习一条一条挨着练， 这样你才能有一个比较好的基础 ，不要嫌麻烦！ 好的基础是快速进步的重要保障。

2 电子琴弹法基本技巧（即右手旋律左手和弦） ，这是电子琴的特色演奏方法 可以用的书比较多，例如电子琴入门 等等 ,曲谱 例如欢乐颂,卡农 ,都是比较简单好听的。

3 乐理知识 ，可以买乐理考级的书进行学习，可以教你识谱，对音乐基本知识的了解。

视频教学推荐这个:vku6/show/lSjolLQSh5FAnLXI

初学者如何认识五线谱

其实五线谱比简谱要容易，它非常直观，如果你上学的时候不会1234567这些数字，让你一上来就学习简谱，你肯定要认为好难。 五线谱的简洁性在于他用音符标记的高度来表示音高，音越高，在谱子上标记的高度也就高，反之则低。另外还用了不同的音符和符号来表示长短的区别。在高低、长短这两个概念中，最令初学者头疼的就是音的高低，下面就这一问题做简单介绍，这也是我在学习和教学中总结出来的： 1、高音谱号和低音谱号下的中央C的位置是必须要知道的。 2、两种谱号下最外面四条线的音： ⑴高音谱号一线的位置mi，五线的位置fa ⑵低音谱号一线的位置so，五线的位置la 3、六个do的位置 ⑴高音谱号下加一线中央C、三间小字二组do、上加二线小字三组do ⑵低音谱号上加一线中央C、二间小字组do、下加二线大字组do 熟悉了这些音以后，如果你要去找一个其他位置的音，可以用跳线（间）法去找。举个例子： 1、想找高音谱号三线位置上的音（当然最简便的方法就是凭借我们所记住的三间上的do就能找到，它是 xi），可以凭借我们所记住的一线位置的mi，然后直接从一线向上数二线，即so，再数三线，即xi 2、想找高音谱号上加五间上的音，可以凭借我们所记住的上加二线的do，向上跳到上加三线mi，上加四线 so，再向上走一个音就是上加五间了，即la