读谱一、音高。由谱表（G谱号、F谱号和C谱号等）、调号（升降号等）和每个音符所处的位置构成。常出现的错误有： 1、看错谱表。这经常发生在乐曲中临时改变谱表的时候，习惯性地认为右手一定弹高音谱表，左手一定弹低音谱表，不注意已经换了谱表。 2、看错调号。容易在乐曲进行过程中忘记了调号，以致该升的不升，该降的没降。 3、看错临时升降号。 4、看错等音。尤其浪漫主义作曲家如肖邦，喜欢大量使用重升、重降一类等音记谱。 5、在大量加线时，把音高看错。音高是音乐作品的基础。保证把每个音高读准是对从初学者到演奏家的所有钢琴演奏者的最基本的要求。把音高看错只能说明演奏者自身的音乐理论修养水平不够。比如，有人因看错了音高而改变了和弦的性质，倘若具备充分的和声知识就可以避免。没有升降号不等于就是C大调，一个升号包括了G大调、e小调、a多利亚、b弗利几亚等多种可能性，只要具备了足够的乐理知识就可以帮助避免由此引起的音高错误。保证把每一个音高都读准确，关键在于细心。一个十分细心的人即使不具备高深的乐理知识，也能把乐谱上每一个音准确地演奏出来。因此演奏者要反反复复地对照乐谱，耐心地检查是否把每一个音都看准了。即使在完全背熟之后，也要经常读谱，看着乐谱演奏，不要长期脱谱。二、节奏、节拍、时值。每个音多长？处于什么节奏位置？在一小节中处于第几拍？有没有休止符？等这些老生常谈的问题也是经常引起读谱错误的地方。主要错误有：１、时值不足，手过早离键。２、时值过长。３、时值不准，把所有跳音都弹成一样长。４、不注意休止符，忽略了休止符在音乐中的极其重要的意义。５、节奏组合的错误。６、看错节拍记号。以上这些时值的错误主要也是粗心大意所致。只要略为细心，都是可以避免的。三、表现符号的错误。连线、跳音、顿音、重音等这些符号对于音乐的乐句划分、语气、乃至风格关系极大。四、表情记号的错误。包括力度记号、踏板记号、延长记号、反复记号、高低八度记号等。五、表情术语错误。乐谱上还有指示性的表情术语、甚至文字说明。如中板、快板、行板、庄严的、如歌的、优美的、渐强、渐弱、渐快、渐慢、延长、回原速等。以上所说的只是读谱的浅层的、表层的要求，是读谱的第一层次。所有的一切都是任何演奏者在读谱阶段必须注意的，不可有半点粗枝大叶，不可有半点的疏忽遗漏，不可半点掉以轻心，从学琴一开始就必须非常谨慎小心，一丝不荀。不要养成了错误习惯后再来纠正。 如何提高读谱速度 五线谱就像个曲线图一样，你不要总是看绝对高度，（当然，看绝对高度的能力一定要有）要看音与音之间的距离以及音的走向，并且要上下对着看，不要单行单行的看！这样才能知道左右手之间的配合及交叉点。 五线谱的速读法有以下几条方法： 1、背口诀 高音谱表一线mi二线sol三线si四线re五线fa（高音谱表中第一线是五线中最下方的那条线，依次向上是2;3;4;5线）；低音谱表（从上向下依次是12345线）一线la二线fa三线re 四线si 五线sol。记住这个口诀，就会很快的找到所有线上的音了，那么在线与线之间的音也就是在间里的音就可以通过线上的音来找到了。 <BR><BR> 2、看音与音之间的距离关系及音的走向 <BR><BR> 通过背口诀我们可以知道，线上的音与跟它相邻的线上的音是一个隔着一个的关系，因此我们可以通过这个关系来找到所有加线的音，比如在高音谱表，上加一线就是和五线fa相隔一个音的la ,依次类推，你就可以找到其他的加线音和加线里间上的音了。 <BR><BR> 音与音的关系最基本的有三种，一个是线与线之间的音是相隔一个音的关系，二是相邻的间与间之间的音也是相隔一个音的关系，三是相邻的线与间之间的音是挨着的关系。 <BR>通过这些音与音之间的关系，我们可以找到相隔任何距离的音，不管两个音之间有多远的距离，我们都可以把他们之间的线和间作为跳板，一个隔着一个的找过去，最后形成前面我们所说到的音与音之间的基本关系，然后通过这个关系找到这个音。 <BR><BR> 3、要上下对着看谱 <BR> 钢琴的五线谱一般是2行，有时是3行，如果是2行谱表，则一般上面那行是用右手弹奏的，下面那行一般是左手弹奏的。如果是3行谱表，则一般是中间那行用右手，上下2行用左手。 <BR>还会有单行谱表，一般当2行谱表变到1行写时，则用音符的附干冲上冲下来区分左右手，一般是附干冲下用左手，冲上用右手。 <BR> 看五线谱一定要先上下看再横向看，几行谱表对在一起看。而且双手要同时进行才能够看清音的走向和双手的交叉点，也就是对位。 <BR><BR> 4、正确的思维过程 <BR> 要做到 （上下对着）看—>想（用左手还是右手，用哪个手指，弹奏什么音，怎么弹也就是用哪种弹奏方法，弹奏几拍，跟谁一起弹奏也就是对位—>（想好了就用脑指挥手弹奏下去）弹－>看—>想—>弹—> <BR>就这样不断的循环，让眼 脑 手 之间的配合越来越快，你的视谱能力就提高了 ，而且这样练习还绝对不会有任何错误！！因为你是看清楚了，并准备好了之后才弹奏下去的，因此就不可能有错误！！除非你 没有用大脑去指挥手！！ <BR><BR> 还有要做到3个要求： <BR> 1、眼要尽量的不离谱子，只有在手要做远距离的跳动时用眼快速看一下，找到位置后马上回到谱子上 <BR> 2、眼要快于手眼看的音总是要比手弹奏的音快一个音的速度，这样，才能做到思维和行动之间的连贯和连续不断。 <BR> 3、手指对键盘上音之间的距离一定要熟悉，只有这样，才能做到不看手还能把音弹奏正确

目录方法1：基础知识1、什么是五线谱？五线谱是学习音乐的基础，事实上也是识谱必学的知识。2、我们首先学习高音谱号。3、低音谱号又称F谱号。4、五线谱中的音符由3个部分组成：符头、符干和符尾。方法2：节拍1、通常五线谱上每隔一段固定的时间就会出现一条竖直线，这些竖直线又叫小节线。2、节拍跟人的脉搏一样，它是整个音乐的心跳。方法3：节奏1、节奏和节拍很类似，但侧重于音的强弱以及音乐的整体感觉。2、想象你正在走路，一步就是一拍，用音乐表达出来就成了一个四分音符。3、现在开始加快你的脚步。4、在上一张中你可以看到，当音符变多的时候，感觉会有一点混乱，可能看着看着就不知道到哪儿了。5、我们前面说过，一条符尾减少一半的时值，也就是说每加一条尾巴，音符的时长就减少一半。6、有人说音乐是一连串的音符。方法4：旋律1、像五线谱，音符的结构，音符和休止符的基本标记法这些基础知识都介绍完了。2、首先我们来学习C调音阶，它是西方音乐的基本音阶。3、学习一点视唱的知识。4、恭喜你现方法5：变音记号和音乐的调1、我们已经学习了关于节奏和旋律的最基础的知识了。2、在西方音乐中，音符与音符之间不是相差一个全音就是一个半音。3、前面我们讨论的都是C调音阶，它由9个音符组成，从C开始，全部对应的是钢琴的白键。方法6：音乐的强弱变化1、听音乐的时候你会发现一首歌从头到尾声音并不都是一样大，有的地方会高亢一点，有的地方会轻柔一点。2、就像你不会用固定的音量说话一样，音乐也会因为不同的情境而变化。3、想要音量越来越大或越来越小，你需要使用另一种常见的力度符号：渐强记号和渐弱记号。方法7：进一步学习1、所谓学无止境。方法8：调号表1、音阶中的每个音符至少都有一个调。早在几千年前人们就开始用笔记录音乐了，即使是我们现在使用的乐谱也有超过三百年的历史。在乐谱中，我们用各种符号将声音具体化，小到音高、音长和节拍，大到音质甚至是特效。这篇文章会告诉你一些基本知识和识谱技巧，有助你以后学习更多的乐理知识。

方法1：基础知识

1、什么是五线谱？五线谱是学习音乐的基础，事实上也是识谱必学的知识。五线谱由一条条横线构成，我们所使用的音乐符号以及从事的音乐活动等都是在它的基础上建立的。。五线谱由五条平行的“横线”和四条平行的“间”组成。我们从下到上，从小到大分别给“线”和“间”编上号。

2、我们首先学习高音谱号。谱号位于五线谱的开头，表示演奏的音高的一个大致范围。高音人声和高音乐器的五线谱都以高音谱号开头。后面我们也主要使用高音谱表作示例。高音谱号又名G谱号，来自于花体的拉丁字母G。只要记住谱号中间有一根盘旋而上的线的便是高音谱号。高音谱表的每条线和间都有不同的含义。

五条横线从下到上依次代表五个音：EGBDF。

四条间（线与线之间的空隙）从下到上依次代表四个音：FACE。

要把全部音符记下来看似很难，但我们可以使用一些口诀。比如用“儿歌不断放”来记线上的音。用“FACE”这个英文单词来记间上的音。

3、低音谱号又称F谱号。用于低音部分的乐谱。钢琴的左手区域、低音吉他和长号就适用于这一类。F谱号来源于花体的字母F，它旁边的两点分别位于第四线两边。低音谱表和高音谱表上的线、间的音高不同。

五根线从下到上依次代表GBDFA（根本的方案）。

四条间从下到上依次代表ACEG（爱吃鹅肝）。

4、五线谱中的音符由3个部分组成：符头、符干和符尾。符头：一个空心或实心的圆，代表所要演奏的音符。

符干：连接着符头的垂直短线。符干朝上时写在符头的右边，符干朝下时写在左边。符干的朝向没有任何的意义，只是为了方便阅读。

一般来说，第三线以及位于第三线以下的音符，符干朝上。

符尾：连接在符干末端的旗状标记。不论符干的朝向怎样，符尾一律写在符干的右边。

符头、符干和符尾共同组成一个音符，它不仅会告诉你音高，还会告诉你音符的时值，也就是一拍有多长。边听音乐边打拍子，慢慢地就能抓住节拍了。

方法2：节拍

1、通常五线谱上每隔一段固定的时间就会出现一条竖直线，这些竖直线又叫小节线。第一条小节线之前的部分是第一小节，第一根和第二根小节线之间是第二小节，以此类推。小节线对音乐本身没有影响，它主要是起辅助识谱的作用。小节线把音乐分成了许多小节，而每一小节的节拍数都是相等的。有时你跟着音乐可能情不自禁地按照“1-2-3-4”打节拍，这时你已经下意识地把音乐分成许多小节了。

2、节拍跟人的脉搏一样，它是整个音乐的心跳。舞曲或者流行乐的节拍就很强。我们常常说的“动次打次，动次打次”就是一个很典型的舞曲节奏。在五线谱中，节拍是用一种类似于分数的形式表示的，我们称之为拍号，它位于谱号的右侧。就跟所有的分数一样，拍号既有分子也有分母。这里的分子写在上两间之间，表示每一小节有多少拍。分母写在下两间之中，表示以什么音符为一拍（下面是4就是四分音符）。

4/4拍大概是最好懂的节拍了，它的每小节有四拍，以四分音符为一拍。同时它也是流行音乐中最常用的节拍，所以大多情况都可以数“1-2-3-41-2-3-4”来打节拍。

改变了拍号的分子，也就改变了每小节中的节拍数。另一种常见的拍号是3/4拍，每一小节有三拍，以四分音符为一拍。像华尔兹这种三步舞，一直数“1-2-31-2-3”就是很好的例子。

方法3：节奏

1、节奏和节拍很类似，但侧重于音的强弱以及音乐的整体感觉。如果说节拍只是说明有多少拍的话，那节奏就是告诉你怎样运用这些节拍。用手指敲桌子，边敲边数1-2-3-41-2-3-4，保持不变。很无聊？那我们做一点改动。数1和3的时候敲得重些，数2和4的时候敲得轻些。是不是感觉不一样了。现在反过来试试，1、3敲得轻，2、4敲得重。

你再听听Regina的Don'tleaveme。这首歌刚好符合这个节奏。第1、3拍是弱拍，鼓点全落在2、4这些强拍上。音乐就是这样一点一点被组织起来的。这些音乐的骨骼就是我们所说的节奏。

2、想象你正在走路，一步就是一拍，用音乐表达出来就成了一个四分音符。在大多数的西方音乐中，每小节有四拍。现在用你的步伐来感受节奏。每一步代表一个四分音符，你可以边走边数：“1，2，3，4-1，2，3，4”。在五线谱中四分音符就是一个实心的符头加一根符干，不带任何符尾。

如果要放慢步伐，可以两拍走一步，也就是数1和3的时候迈步，一步一个二分音符或者说半个小结。二分音符和四分音符很像，只不过符头是空心的。

如果走得再慢些，每四拍一步，那就是每步一个全音符，即一小节一个音符。二分音符去掉符干就是全音符了，它看起来像字母O，或者说像甜甜圈一样。

3、现在开始加快你的脚步。我们刚刚已讨论了放慢速度的情况，我们在延长音符时值的同时会去掉音符的一部分。比如由四分音符转到二分音符的时候，我们会把实心的符头换成空心的，再转为全音符时，还会把二分音符的符干去掉。相反，我们要加快速度的话，就得给音符加点东西。再次想象你在走路，一步一拍（可以用脚打拍子模拟一下）。这时你要乘坐的公交车刚刚到站，可你离车站还有一段距离。你会怎么做？跑啊！边跑还会边向司机招手。

为了让音符快起来，我们得让它“招手”，或者说给它们插上翅膀。而这些翅膀就是符干末端的旗形符尾。一条符尾代表音符的时值减半。一个八分音符（有一条符尾）只有半个四分音符那么长，而两个十六分音符（有两条符尾）才相当于一个八分音符。用走路来形容的话，我们就得从相当于四分音符节拍的步行切换到相当于八分音符的小跑，速度提高了一倍。如果是相当于十六分音符的狂奔的话，速度又要提高一倍。现在试试用步子代替音符，打出图例中的节拍。

4、在上一张中你可以看到，当音符变多的时候，感觉会有一点混乱，可能看着看着就不知道到哪儿了。为了解决这个问题，我们将音符一小组一小组地分开，并用符干连接起来。符干就是把音符串连起来的粗线，它是符尾的替代品。不同的音符串连的规则不同，就目前而言，我们只需要学会用符干把四分音符连起来就可以了。比较一下上两张图，再打一下节拍，就感受得到符干的作用了。

5、我们前面说过，一条符尾减少一半的时值，也就是说每加一条尾巴，音符的时长就减少一半。附点的作用很类似，但却是增加时值。通常情况下附点写在符头的右边（只有少数的例外，这里就不列举了），表示该音符要延长半个时值。举个例子，在一个二分音符后面加一个附点，就相当于在后面加一个四分音符。而在一个四分音符后面加附点就相当于加了个八分音符。

延音线也有延长作用。它是用弧线将两个音符的符头连接起来。附点的延长时间完全取决于它所附的音符，但延音线是将两个或两个以上的音符合成一个音，长度等于这些音符的总和。

有一种延长时值的情况你必须要用延音线，而不是附点。就是当音符延长的时值超过了一个小节的音长，你只能将超出的部分写成一个音符放到下一小节中去，并用延音线将它们连接起来。

连接符头与符头的延音线与符干的朝向相反。

6、有人说音乐是一连串的音符。这句话对了一半。应该说音乐是一连串有间隔的音符。要表示这些间隔我们就要用到休止符。休止符虽然不发出任何声响，却给音乐赋予了情感和生命。跟音符一样，不同时值的休止符写法不一样。全休止符是贴在第四线下方的一条短粗的横线。二分休止符是贴在第三线上方的一条短粗的横线。四分休止符是一条弯弯曲曲的线。其他的休止符都由一根倾斜的符干和蝌蚪状的符尾组成的。符尾的条数和它相同时值的音符相同，只是休止符的符尾都写在符干的左边。

方法4：旋律

1、像五线谱，音符的结构，音符和休止符的基本标记法这些基础知识都介绍完了。在完全弄懂这些知识后我们就可以开始学习识谱了。

2、首先我们来学习C调音阶，它是西方音乐的基本音阶。你要学习的大部分音阶都是由它衍生而来的。所以只要把它记住了，后面的就简单了。上图所示的就是C调音阶。我们首先把它蕴含的意思给弄懂。

先看到它的第一个音符低音C。它的符头位于下加一线上。如果音符超出五线范围，我们就得给它单独加线。音符的音越低，加的线也就越多。但目前我们还不需要考虑这个问题。

C调音阶由8个音符组成，我们可以在钢琴上找到对应的白键。

不管你身边有没有钢琴，现在开始都应该想办法听一听这些音符。因为音乐不仅是拿来看的，更是拿来听的。

3、学习一点视唱的知识。视唱是学习音乐时为了训练识谱技能而设置的基础学科之一。听起来很难，但其实就是用我们平时所说的“do、re、mi”来唱出音符。要唱出你所见的音符，首先得学会视谱。这是一项需要终生学习的本领，但也是一项一开始就能“学以致用”的技能。请看上图的C调音阶，唱名已经标出来了。

你还记得**《音乐之声》里的《哆来咪》那首歌吗？如果你唱得出“do、re、mi”这些音的话，边唱边看对应的音符。想不起来也没关系，你可以在网上找找那首歌。

看到上图中的“CScaleSolfege1（C调音阶视唱表）”，配合唱名，反复练习该C调音阶。

反复练习“C调音阶视唱表II”，直到完全熟悉。开始的几遍，一个一个地识音符，边看边哼出每个音。然后再加上唱名，这样为的是唱准每个音符。

注意每个音符的时值，运用我们前面所讲的知识：第一行最后的高音C和第二行最后的低音C是二分音符，其余的都是四分音符。再次想象你在走路，一个四分音符代表一步，一个二分音符代表两步。

4、恭喜你现在终于开始识谱了！

方法5：变音记号和音乐的调

1、我们已经学习了关于节奏和旋律的最基础的知识了。现在你已经掌握了必要的基本技巧，可以看懂五线谱上的点和符号了。但这还不够，还有一些你需要了解的知识，比如调号。你应该已经见过变音记号了，通常标记在符头的左边。升记号（）看起来很像井号，表示该音符升高半音。降记号（）则像小写字母b，表示降低半音。像前面所说的，C调音阶对应着键盘上的白键。而升降音就对应着黑键。C大调音阶中没有升降音，如下图：

2、在西方音乐中，音符与音符之间不是相差一个全音就是一个半音。在钢琴键盘上找到音高为C的键，在这个键与下个音高为D的白键之间有一个黑键。这是因为音符C和D之间相差一个全音。音高为C的白键与相邻的黑键则相差一个半音。所以黑键上的音符名称得视情况而定。之所以说视情况而定是因为黑键上的音既是前一个白键的升音又是后一个白键的降音。如果你从C到D的顺序看，就成了升C，用升记号（）标记。

在上图的第一个例子中黑键上的音是写作C#的。反过来看的话，就得使用降记号（）表示降D。

这些都是约定俗成的标记方法，为的是方便我们阅读。当你从低到高地排列C到D这三个音时，如果你标记黑键使用的是D而不是C#，就需要使用还原记号（）标记第三个音符D，表示此时已还原为D，不再表示降D了。

下面我们来说说还原记号。只要看到（）就得将之前已经升高或降低的音还原。看到上图的第三行，第二个音符D前有降记号，表示降D且此小节之后所有的D都要降半音。所以第三个音符想要表示D的话就得用还原记号还原。乐谱中升降音越多，弹奏前就越要留意。许多情况下，作曲的人在之前的小节用了临时的升降号，会在后面的小节标出还原记号提醒乐手，并无实际作用。举个例子，假设这里有一首D大调的曲子，它在前面的一个小节中用到了A#，所以之后的小节A前可能会出现还原记号，但只起提示的作用。

3、前面我们讨论的都是C调音阶，它由9个音符组成，从C开始，全部对应的是钢琴的白键。事实上，你可以以任何一个音符为首开始一个音阶。但如果你只弹奏白键的话，你所弹出的音阶就不是大音阶，而是“调式音阶”，这里我们就不多做解释了。一般我们以开头的第一个音符或者是主音来给整个调命名。你可能听别人说过“这首歌是C调的”。意思是它的基本音阶是从C开始的，包括了CDEFGABC这几个音。音阶中音符与音符之间有一定的关系，上图已在键盘上标出来了。

音高的最小单位是“半音”，两个半音等于一个“全音”。在这些音符之间除了E和F，B和C之间为半音外，其余相邻两音全为全音。所有大音阶的音符关系都是相同的，即全-全-半-全-全-全-半。以G音开头的音阶用五线谱表示如下：

看到上图的G大调音阶，为了保持大音阶中的音符关系，我们需要把倒数第二个音符F升高，这样它与最后的G就相差半音。只升高一个音看起来很简单。但要是我们以C#开头写一个大音阶呢？如下所示：

升降音一旦多了，看起来就很复杂。为了简化阅读，避免混淆，便有了调号。每个大音阶都有各自的一套升降音，一般音乐的开头会标出来。再看到G大调音阶，它只有一个升音F#。现在我们不再把升记号放在F的旁边，而是标注在五线谱的最左边，表示其间所有的F音能都要弹作F#。如下图：

上图的G大调音阶和前面展示的没有标调号的G大调音阶弹起来是一模一样的。后面你会看到一张图，上面列举了所有的调号。

方法6：音乐的强弱变化

1、听音乐的时候你会发现一首歌从头到尾声音并不都是一样大，有的地方会高亢一点，有的地方会轻柔一点。我们把这些起伏称作音乐的“力度”。如果说节奏是音乐的心脏，音符和调式是大脑，那音符的力度就是音乐的呼吸。请看上图的第一个例子。

边拍桌子边念：1和2和3和4和5和6和7和8（和字刚好表达了八分音符的长度）每一拍音量相同，听起来就像直升机的声音。然后再看第二个例子。

看到音符上类似大于号的重音记号（>）了吗？重新拍出这些音符，但在每次看到重音记号的时候加重你要打的那一拍。现在听起来可能不像直升机，反像火车了。虽然只是突出了几个音符，但音乐的层次感一下子就出来了。

2、就像你不会用固定的音量说话一样，音乐也会因为不同的情境而变化。作曲家们就是运用各种力度记号描述这些变化的。一张乐谱中可能会有许许多多的力度记号，但最常见的还是“f'”“m”和“p”。

p是拉丁语“piano”的缩写，表柔和。

f是拉丁语“forte”的缩写，表强。

m是“mezzo”的缩写，表中等。它是用来修改其他符号的。比如mf是中等强度。mp是中等柔和。

p或f的数量越多，表示的程度就越夸张。视唱出上图的例子（第一个音符为主音，使用唱名“do”），感受一下力度记号的作用。

3、想要音量越来越大或越来越小，你需要使用另一种常见的力度符号：渐强记号和渐弱记号。它们把音量渐变的过程用一种可视的方式表现了出来。渐弱记号类似大于号，表示音量逐渐减弱。渐强记号类似小于号，表示音量逐渐加强。总的来说，开口的那边音量越来越强，闭口的那边音量越来越小。如果音乐由强变弱的话，应该标记为“f”，之后加一个拉长的>，最后加一个“p”。

方法7：进一步学习

1、所谓学无止境。学习乐谱就像学字母表一样。开始的时候很简单，但其中的各种概念、技巧以及不同组合的微妙变化可能就要花一辈子的时间来研究。有的作家会在螺旋状或其他形状的五线谱上作曲，有的甚至不用五线谱。这篇文章可以为你以后的学习打下良好的基础。

方法8：调号表

1、音阶中的每个音符至少都有一个调。但是懂乐理的同学明白有时一个音对应着两个调。比如G#听起来和A一模一样。这对钢琴这种乐器来说只是一种理论。但有些作曲家，特别是弦乐器的作曲家会觉得A应该比G#稍高一点。上图是大调音阶的调号。C调（无调号）

含有升调号的调：G,D,A,E,B,F,C

含有降调号的调：F,B,E,A,D,G,C

C调相当于你给每个音符都加了升调号，因此每个音符都升了半个调。同理在C调中，每个音符演奏的时候都要降半调。

为了方便阅读，作曲家一般都会标明调号。弦乐器常使用D大调，因为他们的空弦音通常和主音D相关。但是有少量的音乐作品会需要弦乐器演奏降E小调或用铜管乐演奏E大调。这些谱子你看起来很头疼，他们写起来也不容易。

小提示要有耐心。就像学习一门新的语言，学习音乐也需要时间。学习任何东西都一样，练得越多，就越容易，学得也越好。

用你最常使用的乐器练习五线谱。如果你弹的是钢琴，那应该早就开始识谱了。许多吉他手是靠听而不是看来学习的。但开始学习识谱后，你需要先抛开以前的知识。先学习识谱，再用谱。

找一些你喜欢的歌的谱子。图书馆或关于音乐的商店里会有许多的主旋律谱，上面都是一些基本的符号和和弦。里面总有你喜欢的歌。边听音乐边识谱能帮助你更好地学习。

使用之前所说的口诀来帮助记忆。比如高音谱表的五线是“儿歌不断放”，四间是“FACE”。低音谱表的五线是“根本的方案”，四间是“爱吃鹅肝”。

练习视唱，你不需要唱得多好，这只是在锻炼听力，培养正确的音准和节奏感。

为了提高识谱能力，你可以多看一些作曲家的作品，且边听边看。

反复坚持的练习是关键。为了打下坚实的识谱基础，你可以制作一些小卡片或小册子帮助记忆。

在安静的环境下练习。一开始可以试着使用钢琴，因为练习得多的话钢琴并不难。如果你没有钢琴，可以使用网上的虚拟钢琴键盘。

享受学习音乐的过程。如果只是强迫自己学习的话，什么都会变得很难。

警告学习识谱是一辈子的事。慢慢来，控制好自己的节奏！

[音乐常识]致初学作曲的业余音乐爱好者

首先，来说说音阶，因为这里有很多术语回头会用到，所以必须从这里说起。

常用的音阶有六种，包括一种大音阶，三种小音阶，半音阶和全音阶。通常旋律与和声，还有调式等都是构造在大音阶或小音阶上的。这是一部乐曲的基础，所以在了解一切之前必须先了解这个。一般人都喜欢从音程开始入手，可是我感觉音程没什么可说的，无非是根据跨越的半音数量来起个名字。现列表如下，讲解略去。

包含半音数量 音程名称 举例

1 小二度 C - bD

2 大二度 C - D

3 小三度 C - bE

4 大三度 C - E

5 纯四度 C - F

6 增四度 C - #F

7 纯五度 C - G

8 小六度 C - bA

9 大六度 C - A

10 小七度 C - bB

11 大七度 C - B

12 纯八度 C - c

13 小九度 C - bd

14 大九度 C - d

15 小十度 C - be

16 大十度 C - e

只是注意一点，不把数学概念用在这里。比如，两个纯四度相加不是纯八度，而是小七度。还有，度前面的数字是根据大音阶上音的数量计算的。

废话少说，开始说音阶。

大小音阶各有七个音，分别构成音阶的七个级。最基本的音阶是自然大音阶，就是do re mi fa sol la ti。这是按照五度相生法构造的。具体构造方式不实用，这里就略去了。

每个级的音都有自己的名称，下面按照重要程度一一叙述。以C D E F G A B为例，唱名仅按照该大调音阶。

C(dol)是主音，是自然大音阶的根本之根本，音阶的名称也是根据这个音来的。比如C D E F G A B叫C大调音阶，E #F #G A B #c #d叫E大调音阶等等。

G(sol)是属音，其重要性仅次于主音。

F(fa)是下属音，也是非常重要的音。

D(re)是二重属音，也就是属音的属音。因为在一个调子的属调里面，属音就是原来调子的二重属音。

E(mi)是中音，因为它的位置在主音和属音中间。

A(la)是下中音，因为它的位置在下属音和主音中间。

B(ti)是导音，这是音阶中最不稳定的音，有强烈的进入主音的要求。所以，尤其是在终止式里面，导音进行到主音几乎是一切进行中优先级最高的。

嗬嗬，这些还是预备知识，虽然可能有很多人知道，不过以后频繁要用到，所以为了让更多业余爱好者了解，还是提了一下。

自然大音阶最大的特点就是三音是大三度(当然是和主音的关系)。在自然大音阶里面，所有音程不是大音程就是纯音程，没有小音程的。

现在开始说三种小音阶。

首先，和声小音阶。所谓和声小音阶就是把大音阶的三度和六度变成小音程。这两个音(中音和下中音)是对调性最敏感的两个音，把它们变成小音程会是音阶的色彩从太阳变成月亮，从阳性变成阴性。

比如C大调：C D E F G A B，对应地c小调和声音阶应该是C D bE F G bA B。本来是do re bmi fa sol bla ti，可是听起来却像是la ti do re mi fa #sol la。待会儿还会说到。

和声小音阶的特色是那个增二度。即从小六度到大七度的跳变(忘了说了，呵呵，大音程和纯音程多一个半音是增音程;小音程和纯音程少一个半音是减音程。)这个音阶的无限魅力就在这个跳变上。许多欧洲作曲家在模仿东方异国情调的时候都喜欢来回来去地强调这增二度。

另一个小音阶是旋律小音阶，这个音阶只有三度是小音程，其他都和大音阶一样。所以，我认为一个音阶的三音是决定这个音阶色彩的最重要一个音。不过注意这个音阶在下行的时候是要把六度和七度全都变成小音程的。这种做法由于抹平了那个增二度，所以旋律更加圆滑了。

最后，自然小音阶。这个音阶的三度，六度和七度全都是小音程。这样，do re bmi fa sol bla bti就完全变成了la ti do re mi fa sol。于是，我们不用主音作为小调的调名，而是用三音。这样，小调的谱号就要从上方小三度的大调去借，这是小调会多出三个降号来。比如，C大调没有升降号，可是c小调却有三个降号;又如，#F大调是六个升号，可是#f小调却只有三个升号。

半音阶。顾名思义就是由半音组成的，一共十二个音。用处很广，不过最好熟练掌握之后再用。最早是mozart提倡的，他带得他的老师haydn都开始用半音阶了，而且相当精彩。

全音阶。当然都是全音了，每两个音之间都是大二度。由于12/2=6，所以全音阶实际上只有两个：C D E #F #G bB和bD bE F G A B。这种音阶没有调性，听起来很玄。是德彪西的最爱。如果是初学者的话尽量避免，如果要八度老兄那样的我就管不着了。

终于说完了，这些是点基本理论，还有很多旋律和声部写作的惯例和禁忌，以后还有，呵呵。

（二）

呵呵，这回轮到曲式了。说到曲式，那可是我最早接触的音乐理论之一了，我看的是匈牙利近代三大音乐家之一魏纳。莱奥所作的<器乐曲式学>，用贝多芬的钢琴奏鸣曲作蓝本讲述以器乐为主的奏鸣套曲中的曲式。

我之所以在高中的时候就开始看曲式，主要因为曲式相对于其他学科来说对专业要求比较少，只要知道一些关于调性的东西就可以了，不像对位法，死难死难的，科班的都学不好。

好了，现在开始。再重申一下，我不是专业，所以我讲的就是经验之谈，不是书本知识。(当然，也有来自书本的经验)

一首乐曲中，最小的单位是什么音。废话!不过单音没有任何意义，也就省去了，放到旋律的写法中来讲。在创作中，最小的单位应该是动机了。所谓动机，就是展示你旋律特征的一到两小节的短旋律，不要求完整，只是把鲜明的特征表述出来即可。一个模进的旋律就是由一连串动机构成的。动机是构成音乐的基本素材，无论是呈示，还是展开，都要用到这样的素材作基础。各个段落以及乐章之间的紧密联系也都是和动机分不开的。

一部音乐，最重要的主题，没有主题的音乐好像没有脑袋的人(嗬嗬嗬，有点儿荒诞吧)，是不可理解的。主题的定义很模糊，魏纳。莱奥也没有给出一个确切的定义。总之能让听者进入状态的就是主题了。主题也有好多的结构呢，从最简单的乐句到复杂的综合乐段，都是主题。大家在写作的时候可以挑选着用，我来一一描述一下：

乐句：一个完整的句子，就像写文章一样，一直到让人产生"句号"的感觉(也就是终止)为止。乐句的终止可以是完全终止(结束在主和弦上)，也可以是不完全终止(结束在属和弦上)。甚至可以不用终止，直接进入下一段。这时没有终止的乐句就称作开放式乐句。比如钢男的那个impromptu的中段(Trio，三声中部，一会儿会讲到。)就是一个开放式乐句。

重复乐句：超级简单，就是把一个乐句重复一下，不改动或者作一些修饰性质的改动。mozart特别喜欢用这种重复乐句。

乐段：也是由两个类似的乐句构成，不同于重复乐句的是，在终止上作了本质的修改。最普通的做法是前乐句不完全终止，后乐句是完全终止。这个非常常见，在mozart等人的sonata里面经常出现，大家应该有所体会。另外在前后乐句之间可以插入短小的动机作为连接。

重复乐段：不用我再废话了吧两个一样的乐段。在小步舞曲(menuetto)当中大量出现。

三部乐段：呵呵，这个有些像元曲当中的"鼎足对"，就是把原来两部分的东西变成三部分了。分成前乐句，中乐句和后乐句。这时三个乐句的终止式就非常微妙，有兴趣不妨琢磨一下。beethoven在处理时意外地把中间的的乐句转到下属调上，然后在下属调上面用了个完全终止。

复合乐段：就像把乐句攒成乐段那样，就可以把乐段攒成复合乐段。

综合乐段：如果乐段前后乐句在材料上(也就是动机上)发生了本质的变化，或者说前后乐句用的不是一个材料，这样构成的乐段就是综合乐段。这种乐段会让你的作品更加富有变化。

三部综合乐段：三部乐段，其中每一部分都是不同的素材，就是这种乐段。这是最复杂，最奇妙的一种，因为，三个部分可以是乐句，也可以是乐段，也可以交替使用。

注：乐段也可以是开放的。

这些其实是一些基本的主题结构，魏纳。莱奥之所以讲了许多是因为后面他要分析beethoven全部的32部sonata，在我们业余爱好者来说，不必了解的那么精深，大略知道一些就足够了。下面开始讲真正的重头戏--曲式。

从二部曲式开始吧。这个可是最最基础的曲式了，可以说一切的曲式都是从这个演变来的。因为在最初写作的时候，作曲家最简单的方法不过是把曲子分成两部分，随后这两部分就逐渐有了定型。单二部曲式的结构是(A B)，也就是两个部分。这不仅仅是简单的划分，而是互相有联系的。通常A段是以不完全终止结束，然后B段用A段的素材在变化和弦，通常是七和弦或九和弦上开始，最后再用相似的材料在完全终止上结束。

在bach和haydn的作品中(haydn限于早期，因为晚期他已经把奏鸣曲式发展出来了)，有大量的这种曲式出现，但是稍有不同。在B段的末尾有大量的A段素材出现，造成了结构听上去像(A BA)，这样的二部曲式称作带有再现的二段曲式，比通常的更加完善一些，这种结构也直接导致了三部曲式的出现。

三部曲式中，(也叫三段式，不过名字听起来有些。。。想起亚理士多德和卢卡西维奇来了。)三部曲式的结构为(A B A)，和带有再现的二段曲式很像，但是不同在于B段相对独立，可以完全使用新的材料，也可以继续使用A段的材料。而且再现A段相对完整，而不是只有一个A段特征的小乐段加上一个完全终止。这里的再现A几乎可以和呈示A一模一样。重复一般为(||：A：||：B A：||)，也有省略前面或者后面重复的。A或B只有一个乐句或者乐段，不可再分的，称作单三部曲式。

有单三部曲式，当然就有复三部曲式啦!如果A段或B段本身又是一个二段或三段式，整个乐曲就是一个复三部曲式了。这是乐曲的结构已经相当丰富，完全可以作为套曲的一个乐章了，这就是第三乐章，小步舞曲(menuetto)或者谐谑曲(scherzo)。回头要说。现在研究研究复三部曲式的调性和结构。复三段式的中间B段在早期作品中一般以三重奏(Trio)的形式出现，称作三声中部。大多数情况下三声中部用另外的调性，这样可以让听众不至于在长大的作品之中感到烦躁。当然也可以不转调。至于转向的调性，通常有以下几种：

1、属调：颜色更加明亮。

2、下属调：颜色更加柔和，这是速度宜放慢，要是保持速度不变的话至少也要把节奏放慢。

3、同名大小调：颜色的性质发生了变化。

4、上方大三度的调性：色彩忽然闪亮。

5、下方大三度的调性：色彩忽然变得柔和，有圆号的感觉。

另外复三部曲式结构还可以加以变化，比如前面加引子，后面加尾声，或者使用多个三声中部等等。两个三声中部的结构如下：A：二段式主题--B：三声中部I--A：二段式主题--C：三声中部II--A：二段式主题。这时至少要有一个trio转调，否则就会使乐曲枯燥无比，即使是催眠曲也将不会有这样好的催眠效果。

j。s。bach的勃兰登堡协奏曲第一部最后乐章就是复杂的复三段式，结构为：A：二段式主题--B：Trio_I--A：二段式主题--C：波兰舞曲--A：二段式主题--D：Trio_II(这个我在共享区上传过)--A：二段式主题。长大，没有转调，但巴赫借助乐队的变化避免了枯燥。

复三部曲式经过进一步变化之后，发展成了两个非常常用的复杂的曲式--奏鸣曲式和回旋曲式。

奏鸣曲式吗，自然是在奏鸣曲里面大有用武之地了。九成以上的奏鸣曲第一乐章都是奏鸣曲式的。在这种优美的曲式里面，对称的美与不对称的美做到了统一，规律与变化达到了和谐。奏鸣曲式的大结构是这样的：(引子)--呈示部--展开部--再现部--(尾声)。括号里面的可以省略。每一个部分都有详细的结构：

呈示部：主部主题--(连接部)--副部主题--结束主题群。

展开部：相当自由，没有什么限制。

再现部：主部主题--副部主题--结束主题群。

现在研究一下调性。

呈示部：主部主题自然出现在乐曲的调性上，副部主题就要转调了，而且这个转调在呈示部是必须的。一般大调转向属调，或者上方大三度(比如贝多芬<黎明>，C转E)，有时也往下属调转;小调最常见的是转到关系大调(如c->C)，同名大调(如c->bE)或者是属调。可以直接转调，也可以通过一个插部来过渡。跟在副部主题后面的，是一个一个的结束主题。主题的数量是乐曲规模的标志，一般在三四个左右。mozart的曲子里面结束主题排列有序，整齐化一，是标准的参考资料。呈示部一般重复一遍。

展开部：一般来说展开部没有什么限制，素材可以从呈示部或引子里面拿，也可以出现新的旋律。但是也不是一点限制都没有，所谓调性的自由是指要不停地转调，转调，转调，一直到转的彻底晕菜了为止。等到实在不行了，再把调性引回来到再现部。

再现部基本上是呈示部的重复，不过有些人喜欢在主部主题把调性转到下属调上去。这一次的副部主题不能再转调了，因为乐章接近结尾，要把调性稳定下来了。小调奏鸣曲的大调副部主题要改回小调，并要在乐章的调性上面。结束主题也要力求平稳，可以做同名大小调的变化，但不可有太大的动作。在协奏曲的奏鸣曲式中，再现部结束主题的末尾部分可以安排一个长长的大三和弦，然后可供独奏者演奏华彩段。可以加入尾声，尾声可以向下属调离调，是很不错的处理方式。

还有一种简单的小奏鸣曲式，就是用一个经过句代替展开部。有一个很有名的例子就是mozart<费加罗的婚礼>序曲。

回旋曲式。回旋曲叫Rondo，源自欧洲的一种乡村舞曲形式--轮舞。这种曲式的特点就是有一个风格鲜明的主题，反复出现，至少三次以上。最适合用作套曲的终曲。海顿创立的原则就是最后一个乐章为乡村舞曲风格的Rondo。回旋曲式有两种形式，下面容我一一道来：

第一种：简单回旋曲式。这个有点像经过扩展的复三段式，结构为主题--插部I--主题--插部II。。。--主题--(尾声)。不同的是插部的体裁不限，不一定是trio。而且主题每次出现都可以做各种修改，甚至调性都是自由的，你可以来回来去地改变调性，只要在结束的时候改回来就可以了。插部的安排，调性的变换，一切都在你的控制之中。这种结构通常用在第二乐章慢板和终曲当中，一个很好的例子就是mozart的弦乐小夜曲ein klein nacht musik， kv525的终曲。调性变换非常频繁。

第二种：奏鸣回旋曲式。呵呵，这个有些像回旋曲，结构是呈示部---展开部--再现部。怎么一样呢!嘿，细节不一样，来看一下：

呈示部：主题--副群--(主题)。所谓副群就是副部主题加上结束主题，有时只有副部主题。要是没有那个括号里面的主题不就是奏鸣曲式了吗没错，可是这会的括号里面的主题很少省略。调性吗，副群转调啊，其他都在本来调性上。

展开部：这次可更加自由了，不光能像奏鸣曲式那样乱转一气，还能用类似复三段的trio来代替展开部。更有甚者，还可以用更加自由的幻想曲来代替展开部。至于其他形式吗，看作者的喜好了。不过要避免重复，因为Rondo本来重复就够多的了。

再现部：主题--副群--主题+尾声。最后的尾声和主题是很紧密的，而副群也回到了原来的调性。

嘿嘿，这不就是奏鸣曲式多出现一次主题吗没错，所以叫奏鸣回旋曲式。很工整。下面来看一下完整结构：

主题--副群(转调)--主题--展开部(或trio，或fantasy)--主题--副群(不转调)--主题+尾声。

再对比一下普通回旋曲：

主题--插部I--主题--插部II--主题--插部III。。。主题+尾声。

呵呵，原来就是一种特殊形式啊。不错，这样的曲式在终曲里面应用最广。如beethoven悲怆奏鸣曲的终曲，中间用的是trio。

最后一种，变奏曲式。这个不难，首先有一个主题，一般是二段式，速度中庸。在这个主题的基础上发展出无数的变奏，一般调性不发生变化，最多就是同名大小调之间的变换。不过速度和风格可一定要有丰富的变化，否则本来主题和变奏就很像。。。

当然，还有一种不规则的变奏，无论是和声还是调性都可以与主题相去甚远。

在结尾一般有一个尾声，或者快速的变奏，要么就是把主题再现，然后加上尾声(常用)。

看一看结构：

主题--变奏i--变奏II--变奏III。。。(主题)+尾声。

代表作：舒曼的<交响练习曲>，里面有各种各样的变奏，有规则的，也有不规则的，一共十几个。尾声写的漂亮极了。

哈，终于打完了。不过还有套曲的整体结构没有说，下次再说吧。

（三）

曲式还有一种，就是套曲的曲式。

一般的套曲，指的是奏鸣套曲，由演奏乐器的不同，所得的名称也不同：

单一乐器演奏的，叫奏鸣曲或无伴奏奏鸣曲。如钢琴奏鸣曲，无伴奏小提琴奏鸣曲。

由独奏乐器加上伴奏乐器演奏的，叫独奏乐器的奏鸣曲。如小提琴奏鸣曲(小提琴和钢琴/吉他)。

由少量独奏乐器演奏，每兼乐器只负责一个声部的，叫重奏曲。如弦乐四重奏(小提琴两把，中提琴，大提琴。)，钢琴三重奏(钢琴，小提琴，大提琴)，木管五重奏(长笛，单簧管，双簧管，大管，圆号)。

由独奏乐器(可以是多个)和乐队演奏的，叫独奏乐器的协奏曲。如圆号协奏曲，管弦乐队协奏曲，声乐协奏曲。

由完整的管弦乐队演奏的，叫交响曲。交响曲有时加入合唱队。

无论是哪一种套曲，统称为奏鸣曲。比如，交响曲只是奏鸣曲的一种，钢琴奏鸣曲也是奏鸣曲的一种。

现在说说奏鸣套曲的结构。这个结构是经过长期发展得到的，最后在海顿手中得以定型，因此人们称海顿为"交响乐之父"。今以奏鸣曲为例。

一般，奏鸣曲分为四个乐章，按照快慢相间的原则来配置。

第一乐章，通常为快板(Allegro)，曲式一般用奏鸣曲式，是最紧张，最具有戏剧性的一个乐章。第一主题常常很鲜明有力，第二(副部)主题则以歌唱性的旋律和声为主，强调与第一主题的对比。展开部千变万化，这一切都构成了第一乐章的特色。第一乐章是整部作品的核心。

第二乐章，以慢扳(Largo， Adagio， Andante， Lento等)的浪漫曲为最常见，为的是强调和第一乐章的对比。曲式比较自由，一般用简单的二段式或三段式，另外变奏曲也比较常见，奏鸣曲式和回旋曲式亦不少见。该乐章是整部作品中最为深沉的一个乐章。

第三乐章，这个比较固定，一般不作变化。要么是中庸速度(Tempo di Menuetto)的小步舞曲，要么是急速(Presto或Vivace)的谐谑曲。曲式用的都是复三段式。在小型的独奏奏鸣曲中，这个乐章经常被省略，要么就是和终曲结合在一起。

第四乐章，终曲，急速(Presto， Vivace等)，在海顿的作品中是舞蹈的场面，在贝多芬的作品中则是胜利的结论。采用回旋曲式最多。是速度最快，情绪最高的乐章，一定不能被上一个乐章压制住。

在这些乐章之间有时还可以加入其他成分，比如我就加过间奏曲。不过是后期的做法。后期甚至把四个乐章写到一个乐章里面，号称但乐章交响曲。

以上是奏鸣套曲，下面简要介绍一下古组曲(Suite或Partita)的套曲曲式：

Bach的作品一般按照A-C-S-O-G的格式。

A：Allemande舞曲，亦称作德国舞曲，因为那个词在法语中就是指德国的一个民族。速度中庸。

C：Courante舞曲，有法国式和意大利式两种。前者强调高雅，后者强调流畅。快速。

S：Sarabande舞曲，西班牙舞曲，以符点为特色。贝多芬在<艾格蒙特>序曲中模仿过这种节奏。慢速。

O：Optional，只要不和其他乐章重复，可以任选一个舞曲作为这个乐章。一般有一下几种：

Menuetto：小步舞曲，唯一保存到奏鸣套曲中的舞曲。

Bouree：布列舞曲。

Gavotte：加沃特舞曲。

Passpied：帕斯比耶舞曲，源自法国，小步舞曲的前身。

Rigaudon：里高东舞曲，源自英国。格里格有很出色的作品。

Musette：风笛舞曲。

Loure：古风笛舞曲。

Polonaise：波兰舞曲，肖邦有大量名作。

Anglaise：英国舞曲。

Air：咏叹调。

G：Giga，吉格，苏格兰三拍子舞曲，急速，很像奏鸣曲的终曲。

可以看出，古组曲是由一连串的舞曲组成的。不错，因为套曲是从给舞蹈的伴奏中独立出来的。它最大的一个原则就是快慢相间，最早的套曲就是由一首慢速的孔雀舞和一首快速的加亚尔德舞构成的。

下面分析一下钢男的即兴曲，嘻嘻。请有兴趣者到钢男(钢琴男孩)发的"[原创]仿古即兴曲"贴子里面下载谱子。(技术论坛的音乐理论那里，那个是原作。)

整体结构是单三段式，调性为a->A->#F->a。谱子上的调号标记有些错误，最后再现A段应该是还原成C调的调号。

A段，1-17小节(算弱起小节)。A段是一个合乐段，因为前后两个乐句材料上没有发生变化，但是终止变了，后乐句出现了频繁的转调。第一小节是弱起，到第九小节为止是前乐句，实际上是一个八小节的乐句，停在半终止上;后乐句有些复杂，前四个小节重用前乐句，但是伴奏更加丰富。从14小节开始转调。14小节转到A大调，16小节是#f小调，17小节是#F大调，最后是#F大调的完全终止。

B段，18到27小节。开放乐段。18-25为前乐句，半终止;重复一遍为后乐句，但是由于终止不同，所以不是重复乐句。27小节一开始是完全终止，但是立刻就转到了a小调，并开放着。

A段再现。基本没有变化，最后的大调改成了小调。

关于B段的开放性我还是有一些疑问。因为如果把27小节那几个音看作是连接的话，B段就是一个以完全终止结尾的封闭乐段了。就像A段，结尾出也有一个连接用的音。

（四）

这次说说什么呢？

音乐是由三大要素构成的：旋律，和声和节奏。节奏没什么可说的，无非就是两拍子

强、弱，三拍子强、弱、弱，四拍子强、弱、次强、弱，其它的都是这几种的组合。

主要来说说旋律以及和声。这些都是我平时得出的一些经验，结合书本上的理论。

关于旋律，我记得书上大致是这么说的：

1、主音，属音和下属音本性平稳，称为“静音”；而重属音，中音和下中音本性多变，称为“动音”。

2、第七度本性极不稳定，称为“导音”。

3、动音要解决到相邻的最近的静音之一，而导音要上行解决到主音。

4、旋律的进行有四种，同音反复，级进，小跳和大跳。

5、一度音程的进行为同音反复，二度音程的进行为级进，三度到五度为小跳，五度以上为大跳。

6、大跳不宜使用，如果要用的话必须保证前后两个音在同一个和弦内。跳进之后一般反向进行。

7、有一种跳进可以任意使用，就是下行跳至导音，然后导音解决到主音。

8、旋律的线条，节奏要有一定规律，不能谁和谁也挨不上边。

9、模进就是同样的旋律在不同的高度反复出现。模进一般不超过四次，是好的做法。

10、乐句结尾处是属和弦，称为半终止或不完全终止；若是主和弦，则成为全终止或完全终止。如果应该解决到I和弦的，却解决到VI和弦上去了，则称做假终止。

11、前后乐句要有联系。关于乐句的结构请参看《曲式》一章。

很多人认为每个调都代表特定的感情,某种程度上说,这是一个误区不同的调性确实能给人不同的感受,阴郁,或者愉悦等等,但是这并不是我们创作的时候首要考虑的要素

在古典音乐中,调性往往是多变的,比如一首叫D大调弦乐四重奏的曲子,绝对不是从头到尾都是D大调的假设我们使用赋格的曲式来创作这首作品,那么,它的第一乐句会是D大调的,第二句就往往是A大调的,第三句肯定还是D大调,第四句又是A大调,第五句一般不会再使用A和D,我的话可能会选择E大调或者F小调后面的如此类推

综合算起来,一部大型的古典作品至少要使用5个以上的调性其名字里的调性名称往往只是主调名字或者起始调的名字

因此,

1我们在选择调性的时候,要考虑尽量避免使乐曲中经过的调性里出现太多升降的调性,造成演奏者的麻烦而至于经过哪些调性,往往是由起始调性所决定的,并不是可以随意选择的

2当我们要突出作品中某个特定的素材的时候,往往会根据其和声要求选择这一部分的调性比如我们要用一个含有#4音的动机表现宗教般的归属感，那么我们可以选择#D大调，这样#4就可以作为被归属的主和弦。或者我们可以选择C大调，这样#4就可以成为转向属调的重属和弦的灵魂音。而如果我们使用E调或F小调，就很难处理这个音了。

3本质上,调性的选择由所要表达的逻辑思想和哲理决定比如你提到的奏鸣曲，往往用来表达矛盾的解决或者回归。所以其程式部就需要有主调的主部和属调的副部，而在最后的再现部则要有和程式部相同的主副部织体在同一调性上。所以，如果我们选择C大调起始，那么必然副部会是G大调，这样的组合就会生成一种光辉激昂却略带平庸和麻木的色彩，如果是A小调到E小调的组合，则会有一种幽怨和动情的平庸感。

讲得很专业了，估计你未必能全理解，但是希望能足以让你明白你问题里关于调性选择的疑惑。