1、中国古代就有“宫，商，角（jue），徵（zhi），羽”五音，对应简谱中的1 2 3 5 6，是乐谱的基本音符，在谱曲时古曲用这五个音。在谱曲时是以它们其中的一音定调，只有在乐曲中才会体现音节，几分音符和音的长短。如云南民歌《小河淌水》就是这样谱曲的，整首歌里没47两音出现，是传统民歌。

2、简谱，是指一种简易的记谱法。有字母简谱和数字简谱两种。一般所称的简谱，系指数字简谱。数字简谱以可动唱名法为基础，用1、2、3、4、5、6、7代表音阶中的7个基本音级，读音为do、re、mi、fa、sol、la、si，休止以0表示。每一个数字的时值名相当于五线谱的4分音符。

数字简谱的雏形初见于16世纪的欧洲。17世纪时法国天主教方济名会教士J·J·苏艾蒂加以改进后用来教唱宗教歌曲。18世纪中叶，著名的法国思想家J·J·卢梭再加改进，大力倡导，并编入他的《音乐辞典》之中。19世纪，经过P·加兰、A·帕里斯和E·J·M·谢韦3人的继续改进和推广，才在群众中得到广泛使用。因此这种简谱在西方被称为“加—帕—谢氏记谱法”。

19世纪末叶，简谱传到日本，再传入中国。1904年沈心工编著出版的《学校唱歌集》是中国最早自编的一本简谱歌集；之后逐步普及到各地的学校，30年代随着救亡歌咏运动的开展，简谱得以在群众中广泛流传。

由于简谱的记法与中国的工尺谱(流行在中国民间的一种文字谱)相当接近，因此在中国简谱得到了空前的发展，就世界范围而言，中国是把简谱吸收得最好、最发扬光大的国家。而五线谱，通过以西方为中心的音乐教育体制，已基本通行于各个国家，在学校里已是必修项目之一，它为世界音乐统一于一谱提供了基础。

3、五线谱，是世界上通用的记谱法．在5根等距离的平行横线上，标以不同时值的音符及其他记号来记载音乐的—种方法。五线谱的每根线以及线与线之间的空间，自下而上分别称为第一线、第二线、第三线、第四线、第五线和第一间、第二间、第三间、第四间。线和间如不够使用，可在五线谱上方或下方增加线和间。加线及加间各分别称为上加第一线、上加第一间，下加第一线、下加第一间等，各代表一个音级。这些音级的固定高度根据所用的谱号来决定。谱号有三种：高音谱号，又称G谱号，低音谱号，又称F谱号，中音谱号，又称C谱号。五线谱为适应不同音域的人声和乐器的需要，并避免过多的加线，有多种谱表，其中常用的有五种：即高音谱表(用G谱号)：低音谱表(用F谱号)、女高音谱表、中音谱表、下中音谱表(后三种用 C’谱号)。女高音谱表现已不常应用，中音谱表仅用于中提琴，次中音谱表常用于大提琴、大管、长号的较高音区。此外还有上低音谱表、女中音谱表等。

4、点字谱，是一种适合盲人使用的记谱法。分为六点制乐谱（现行的）和12点制乐谱（革新的）两种。六点制乐谱，由法国盲文之父路易·布莱尔（Louis Braille）发明，一方点符只能表达乐音的音名和时值（全音符至64分音符），音组另需一方点符。12点制乐谱，在《12点制三拼点字》的基础上发明而成，像简谱一样，一方点谱可表达一个完整音符（时值、音名和音高），乐谱表达力更强。

《12点制乐谱方案》

（一）乐谱符号及其点列符代码 全音符/

16分音符 16进制符

代码 半音符/

32分音符 16进制符

代码 四分音符/

64分音符 16进制符

代码 八分音符/

128分音符 16进制符

代码 1——— 110/210 1— 510/610 1 910/A10 1 - D10/E10 2——— 120/220 2— 520/620 2 920/A20 2 - D20/E20 3——— 130/230 3— 530/630 3 930/A30 3 - D30/E30 4——— 140/240 4— 540/640 4 940/A40 4 - D40/E40 5——— 150/250 5— 550/650 5 950/A50 5 - D50/E50 6——— 160/260 6— 560/660 6 960/A60 6 - D60/E60 7——— 170/270 7— 570/670 7 970/A70 7 - D70/E70 0——— 180/280 0— 580/680 0 980/A80 0 - D80/E80 音组 16进制符

代码 音名 16进制符

代码 点线符号 16进制符

代码 乐段符号 16进制符

代码 大字三组 001 C(do) 910 单附点 310 小节线号 B00/000 大字二组 002 D(re) 920 双附点 320 小节未完 B10 大字一组 003 E(mi) 930 高音号 330 虚小节号 B20 大字组 004 F(fa) 940 低音号 340 反复记号 B30 小字组 005 G(sol) 950 升号 350 换气记号 B40 小字一组 006 A(la) 960 重升号 360 跳跃记号 B80 小字二组 007 B(si) 970 降号 370 延长记号 BD0 小字三组 008 #C 990 重降号 380 乐段终号 BE0 小字四组 009 #D 9A0 还原号 390 全曲终号 BF0 小字五组 00A #F 9C0 小字六组 00B #G 9D0 #A 9E0 装饰符号 16进制符

代码 装饰音 16进制符

代码 乐谱和盲字切换符 拍子号 X0Y 上波音 010 乐谱段首 100 连音号 X0Z 下波音 020 盲字段首 200 和弦音符 XX0 前廻音 030 倚音记号 D00 后廻音 040 重音记号 0B0 颤音号 050 保持音号 0F0 滑音号 060 顿音号 070 （二）点列符及其16进制符代码 ●

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○ 9 A B C D E F 0 （三）点列符及其点位序号 ●

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● 13点 23点 123点 3点 14点 24点 124点 4点 ●

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○ 134点 234点 1234点 34点 1点 2点 12点 空点 说明：

1、 三个点列符组成一方12点制音符，第一列点符表达音值，第二列点符表达音名，

第三列表达音组；可实现音符与。

2、 拍子号（X0Y），位于全曲开头，第一列点符表示每拍的时值，第三列点符表示拍子数。

3、 连音号（X0Z），第一列点符表示每拍的时值，第三列点符表示连音符的时值。

4、 和弦音符（XX0），其根音音符不变，非根音略去音组点符。

5、 倚音记号（D00），表示前倚音，倚音记号放在倚音符前边；表示后倚音，倚音记号放在

主音符前边，后倚音放在主音符后边。

@形符四码 2015年12月24日 由高音谱表与低音谱表联合组成，用于钢琴、管风琴、竖琴及混声合唱等。两谱表中隐伏一条临时加线代表中央C，故又称十一线大谱表。

五线谱的前身可追溯到中世纪的纽姆记谱法及有量记谱法。纽姆谱以横线为标准，用符号表示音的高低，但不显示音值长短。从7世纪起，这种记谱法出现在欧洲天主教堂内，最初只用一根线代表F音高，11世纪经阿雷佐的圭多逐步发展成四根线。规定音高为d、f，a、c，并将f钱画成红色，c线画成**(后来又成为五线谱中高音及低音谱号的起源)。13世纪有人使用第五根线，成为五线谱的前身。到了16世纪又有了加线的办法，它更加完备了音高的记载。

有量记谱法是13世纪科隆教士弗兰科创始的。这种用音符、休止符和记号严格规定了音的长短的记谱法，是对纽姆谱的补充和丰富。在1450年左右，音符是用涂以黑色涂成的，它被称为有量黑符，以后改用空心音符，又被称为有量白符，这种记谱法在西方一直使用到17世纪左右。

五线谱在前两者的基础上出现，到17世纪逐步完善，18世纪开始定型沿用至今。如小节线原用于文字谱，17世纪末被五线谱所采用，升降记号通用于18世纪，表情记号取自有量记谱法，装饰音记号源于纽姆谱，17世纪系统化后用于五线谱。五线谱所用的音符及休止符各有8种。

五线谱传入中国，最早见于文字记载的是1713年的《律吕正义》续编，书中记述了五线谱及音阶、唱名等。五线谱在中国逐步流传和使用，是于19世纪中叶以后随着西方传教士的传教及新学的兴办才有所推广。在五线谱之外，还存在着各种线谱的体系。除纽姆谱外，在16世纪中意大利和英国就曾使用六线谱及七线谱（供管风琴之用）。20世纪初，也有人对五线谱进行过改革，并作过种种多线谱的尝试，但都未能普及。

史上获得格莱美奖最多的人是谁？

获得格莱美奖最多的歌手是盲人音乐家史蒂夫·旺德。至今获得过28个格莱美奖项。

格莱美历史上获奖最多的人是谁

格莱美历史上获奖最多的人是女歌手埃里森·克罗丝，共获得了27座格莱美奖。

Alison Krauss 是当今美国蓝草音乐的领军者，“蓝草音乐”（Blue Grass）是美国民间音乐的一种，从上世纪二十年代出现并开始发展，在新世纪里未显丝毫颓败之势，因Alison 这样优秀蓝草歌手的不断革新，使蓝草音乐焕发出更为迷人的气质，作品逐渐挤占主流唱片市场份额，且在全球都拥有越来越多的歌迷。

个人简介

1971年7月23日，艾莉森·克劳斯 (Alison Krauss) 生于伊利诺伊州迪尔莱克。5岁开始学习小提琴及古

艾莉森·克劳斯

典音乐。在14岁那年，艾莉森跟Rounder唱片公司签约，并在两年后发行了个人的第一张专辑唱片，紧接着她人生的第一次辉煌就来到了，年仅18岁的艾莉森获得了流行音乐界的重要奖项－－格莱美奖。这位女歌手从走上音乐道路时就是乡村音乐界最耀眼的明星，她与蓝草风格的Union Station乐队合作到现在。随着摇曳舒缓的吉它，带着女生的温柔与清纯，蓝草乡村女歌手艾莉森·克劳斯演绎出无数动人心魄的歌声。至今，她已获27座格莱美奖，成为历史上获格莱美奖最多的女艺术家。艾莉森·克劳斯的一曲 “when you say nothing at all”被无数人当作心中永恒的经典。

获奖情况

在2003年的**《冷山》中，克劳斯与摇滚音乐家斯汀合作录制了插曲《You Will Be My Ain Ture Love》，克劳斯还为该片演唱了另一首插曲。《You Will Be My Ain Ture Love》获得奥斯卡奖提名。分别于20092007200620032001199819971996199519941992199012届格莱美中斩获25次莱美音乐大奖提名必中，她也成为迄今为止历史上获格莱美奖次数最多的女艺人。

Lonely Runs Both Ways (2005) RIAA certified Gold 美国唱片协会金奖

Live (2002) RIAA certified double Platinum 美国唱片协会双白金奖

New Favorite (2001) RIAA certified Gold 美国唱片协会金奖

Forget About It (1999) RIAA certified Gold 美国唱片协会金奖

So Long So Wrong (1997) RIAA certified Gold美国唱片协会金奖

Now That I've Found You: A Collection(1995) RIAA certified double Platinum美国唱片协会双白金奖

I Know Who Holds Tomorrow with The Cox Family (1994)

Every Time You Say Goodbye (1992)

I've Got That Old Feeling (1990)

Two Highways (1989)

Too Late To Cry (1987)

Country Music Association Awards

乡村音乐协会奖

Video of the Year "Whiskey Lullaby" with Brad Paisley (2004) 年度最佳音乐录像

Musical Event of the Year >>

美国格莱美奖获奖最多的人是谁，获了几项，分别是什么？

左尔格·索尔蒂爵士（Georg Solti,1912-1997），英籍匈牙利指挥家，共获得32座葛莱美奖，74次提名，MJ什么的弱爆了好吗，碧昂斯都比他拿的多

中国有多少人获得格莱美奖

曾获得格莱美提名和奖项的中国人:

2002年第44届格莱美奖，华人音乐家谭盾获得四项提名：“最佳**原创音乐”、“最佳原创**歌曲”、“最佳古典音乐”、“最佳古典音乐协奏曲”，谭盾创作的《卧虎藏龙》**原声音乐获得最佳**原创音乐专辑奖；

华人音乐家汤沐海指挥的吉他协奏曲获得最佳古典音乐协奏曲奖；

大提琴家王健与郑明勋、沙汉姆、梅耶尔几位音乐家《“时间终结”四重奏》共同获得最佳室内乐演奏奖提名；

2005年第47届格莱美奖，华裔音乐家马友友(15次格莱美奖得主)凭借《Merengue》获得最佳器乐作曲奖；

华人设计师萧青阳获得最佳唱片包装设计奖提名；

华人小提琴家林昭亮曾两次入围格莱美奖；

中国著名男高音歌唱家戴玉强也曾入围格莱美奖；

2007年宋祖英以《百年留声》专辑获得格莱美“最佳古典跨界专辑”提名；

2008年朗朗入围格莱美最佳演奏家奖

世界上得过格莱美终身成就奖的人有多少

Roy Acuff：　“乡村音乐之王”，乡村音乐的杰出代表和主要代言人，在超过半个世纪的时间里，作为歌手、音乐家、歌曲作者和音乐发行人在乡村音乐及唱片领域做出了极具创新的贡献。获奖时间：1987年　Marian Anderson：　其华丽动人的女低音曾被艺术大师托斯卡尼尼赞叹为“百年一遇”，其不仅在古典音乐的歌剧、圣歌及音乐会的演唱方面得到人们的尊敬与赞美，而且也激发了其他艺术家的无数灵感。获奖时间: 1991年　Louis Armstrong：　“美国的友好大使”，无论指他对世界音乐与唱片出版的杰出贡献，也指他对爵士音乐的引领作用，他的数百张唱片至今听来仍十分清新，还犹如它们当初被创作时的那样，他对音乐与人类有永远无尽的热情与贡献。获奖时间: 1972年　Fred Astaire：　虽然主要作为舞蹈演员受到人们的尊敬，但是却是音乐方面的良师益友，通过**与舞台引进了更多音乐喜剧的标准。获奖时间: 1989年　Chet Atkins：他无与伦比的手指拨动了吉它，其广泛的创作被收录进超过100多张唱片，他在演唱与录音方面都有深远的影响。获奖时间: 1993年　Harry Belafonte：“卡里普索即兴歌曲之王”，他是最成功的美籍非裔音乐明星之一，其吸收了民谣、爵士和世界打击节奏音乐的精髓，在主流音乐方面取得了成功，其受到欢迎的程度在黑人民权运动之前绝无仅有，而且他也是民权运动的先锋获奖时间: 2000年　Irving Berlin：在他超过半个世纪的作曲生涯中谱写了无数歌曲，许多都为美国乃至世界其它地方的人们所熟悉与喜爱，这些歌典看似简单，但却充满了温暖与亲情。获奖时间：1968年　Leonard Bernstein：所有音乐领域的全才，其在古典音乐、芭蕾、**电视配乐及百老汇舞台上都有杰出的表现，他是一个指挥家、作曲家、钢琴家、教育家，还是一个多产的音乐家，留下的个人专辑超过了300张获奖时间: 1985年　Chuck Berry：　美国流行音乐历史上最有影响和创造性的变革人物，他既是作曲家，也是演奏家，通过他的天才努力，摇滚乐最终得以成为一种主要的音乐形式。获奖时间: 1984年　Bobby "Blue" Bland：　一位极其多才多艺的歌手和艺术家，他的热情奔放与对悦耳音乐的天生亲合使得他创造了一种独一无二的音乐风格，这种风格混合了蓝调、摇摆、民谣、乡村、福音歌曲的诸多元素。获奖时间: 1997年　James Brown：　他杰出的灵歌音乐与表演风格影响了从摇滚到饶舌音乐的几代艺术家，他在每一创作中都投进了百分之百的情感，他的表演在视觉与形体方面都令人十分愉快。获奖时间: 1992年　Dave Brubeck：　受人欢迎的作曲家、钢琴家和乐队指挥，他开创了西海岸的爵士音乐，他的代表乐曲《Take Five》向世界范围的观众介绍了爵士音乐，他独具创新的作曲包含了交响乐、芭蕾舞乐、音乐喜剧与宗教音乐的许多元素。获奖时间: 1996年　Benny Carter：　从二十年代到八十年代的每个十年，他作为作曲家、演奏家和指挥家对爵士乐和其它音乐形式都做出了极大的贡献，而且培养了许多音乐天才。获奖时间: 1987年　Enrico Caruso：　被许多人认为是历史上最伟大的男高音，他早期的唱片为媒体带来了新的兴趣和尊重，其广泛的表演使歌剧与流行音乐观众同样着迷。获奖时间: 1987年　>>

得过格莱美奖的亚洲人有哪些

提名的挺多的获奖的不多

第一位问鼎格莱美奖的亚洲人---杭天琪

1999年5月杭天琪以个人音乐作品专缉《追缘》在美国接受了世界音乐最高荣誉奖项——格莱美奖评委会主席颁发的终生艺术成就奖，以表彰她为亚洲音乐艺术发展做出的特殊贡献，及她所取得的杰出成绩。就此，杭天琪成为了亚洲第一位得此殊荣的音乐艺术家，同时也是迄今为止荣获格莱美奖的唯一华人。为亚洲音乐走向国际舞台迈向了新的台阶。

喜多郎 Kitaro

2001葛莱美奖最佳新世纪音乐专辑《思念你》

史上获得第一多格莱美奖的女艺人是谁

Alison Krauss

到2010年一共获得过26次grammy

baikebaidu/view/50962#5

中国有多少人获得格莱美奖

有，宋祖英以前好像还有谭盾、王健、戴玉强

在北京时间2006年12月7日晚揭晓的格莱美提名名单中，中国民族歌唱家宋祖英的《百年留声》专辑获得“最佳古典跨界专辑”奖项的提名，成为继谭盾、王健、戴玉强等人后再次被格莱美奖提名的中国音乐家，宋祖英也成为我国民族音乐及古典音乐界入选格莱美奖的先锋和典范，同时她也完成了一次民族与古典的完美跨界演出。

得过格莱美奖的亚洲人有哪些

美籍华人大提琴演奏家马友友从1985年至今拿了18个格莱美奖。

1987年：日本设计师石冈瑛子凭借其为爵士帝王Miles Davis设计的专辑《Tutu》包装获得格莱美最佳唱片包装奖。

1989年：中国音乐家苏聪、日本音乐家阪本龙一和美国音乐家David Byrne三人靠著共同创作的**《末代皇帝》原声音乐分获格莱美最佳视觉媒体原声奖。

2001年：日本音乐家喜多郎以专辑《Thinking Of You》获得格莱美最佳新世纪专辑奖。

2002年：中国音乐家谭盾依靠《卧虎藏龙》配乐拿到格莱美最佳视觉媒体原声奖。和《末代皇帝》那三位一样，《卧虎藏龙》也给谭盾带来了奥斯卡的最佳原声奖。

2011年：美籍华裔音乐家田志仁的专辑《Calling All Dawns》获得格莱美最佳古典跨界专辑奖，专辑收录曲、他为电脑游戏《文明IV》创作的配乐《Baba Yetu》也拿下了最佳人声伴唱器乐编曲奖。

同年，Larry Carlton和日本音乐团体B'z的吉他手松本孝弘合作的专辑《Take Your Pick》获得格莱美最佳流行纯器乐专辑奖。

同年，英籍日裔钢琴家内田光子和克利夫兰管弦乐团合作的《莫扎特钢琴协奏曲#23、#24》获得格莱美最佳乐器独奏奖。

2011年中日两国获得了四个格莱美奖。再加上田志仁的专辑有三名日本歌手、一名中国歌唱家参加，Paul Winter Consort的最佳新世纪专辑获奖作品《Miho: Journey to the Mountain》本身就是在日本京都MIHO MUSEUM录音，众多日本演奏家和中国藏族歌唱家央金拉姆参加录音；日本钢琴家上原ひろみ参加了最佳当代爵士专辑获奖作品《The Stanley Clarke Band》演奏。

这个问题问得太大，首先学二胡要培养良好的音乐基本功，音准感，节奏感。其次就是二胡的基本功，从简单的持琴开始一直要后面的高技巧，每一个技巧里面都有很多要注意的东西。下面看一下别人的小总结：

二胡演奏中的主要技术障碍及解决

作者：未知

在二胡演奏中，左右手的各种技巧及其组合是以稳定的“动力定型”为基础来完成的。在平日的练习中由于诸多的因素难免会遇到一些困难，出现一些技术障碍。其中因为“急于求成”思想导致的不讲究“慢练”和“分解练习”等科学的练习方法是造成诸多问题的主要原因。现将一些常见的技术障碍归纳分述如下：

1、音准控制不好

这个问题在《二胡教学随笔》的第三篇中，我已经就许多方面做了较为详细的阐述，这里再做一些补充。由于二胡既无指板又无固定的按音品位，因此按音的准确性历来是演奏者们最重视的。一般人习惯地认为“音不准”多半是由于左手的按音位置以及换把的动作无把握造成的。其实，造成音不准的原因首先是听觉的迟钝和在演奏中缺乏准确的“音高预示感”(即在按音之前“内心听觉”中就有了这个音的准确高度)。一个听觉敏锐的演奏者，当听到在自己的演奏中有不准的音时，就自然会产生不舒服甚至于有受到刺激的感觉，于是便下意识地调整左指的按音位置，直到这个音准了为止，这充分说明了听觉对于控制音准的重要性。为此，在训练音准控制过程中，教师应首先注意学生听音和辨别音高差异的能力，教会他们掌握“音高的预示感”，然后再教给他们准确按音和换把的方法。在练习音准控制的过程中，演奏者一定要自始至终高度地集中听觉注意力，否则将很难掌握好控制音准的规律。其实，演奏中音准的控制过程就是演奏者通过听觉的校正，将准确的按音和换把的位置经过无数次反复练习之后逐渐形成正确“运动链”(《运动力学》语)的过程。一些盲人演奏家虽然双目失明，但在演奏中音准却控制得非常好，除了具有敏锐的内心听觉之外，演奏动作的准确无误是他们解决音准问题的关键；有些弹钢琴的盲人对于键盘的位置和每一个键位都了如指掌，在演奏中他们几乎不碰错琴键，就更说明了在演奏中高度地集中注意力和掌握正确“运动链”的重要性。一些演奏者由于初学时进度太快，还来不及掌握好某些基本的演奏动作就进入了乐曲的练习。于是，在他们演奏时听觉就不能很集中，往往习惯性地用眼睛盯住自己的手指或弓子。这些下意识的视觉动作干扰了他们听觉的控制过程，导致了演奏中的音不准。具体表现在如下几个方面：

(1)空弦音定不准，内、外弦的音程关系或大、或小于纯五度；

(2)按音的音程关系不准确。

遇到以上两个问题时，教师要想办法利用有固定音高的乐器(最好是钢琴或电子琴)以“练耳”的方式帮助学生进行反复的音高对比听辨练习。要使他们学会尽力用听觉去辨别、捕捉并牢记每一个不同音的音高，以及在音的衔接过程中的各种音程关系，以此来训练和调整其听觉的能力、培养敏锐的“内心听觉”。

(3)在演奏中(相对于空弦音)习惯性地按音偏高或偏低。

这主要是长时间在练琴的过程中听觉不够主动，对音准的要求不严格造成的。遇此问题要通过“慢练”的方法，在练琴时经常有意识地对照空弦音的音高或借助自然泛音来逐渐地调整听觉的稳定性与校正按得不准的音。最好的方法还是多练习不同调的七声音阶和各调的琶音，这样更容易发现和校正不准的音。

(4)半音关系不严格。

这个问题初期主要表现有首调唱名的自然半音关系中，一般三、四级和七、八级音的半音音程都容易比较宽，其原因主要是演奏者很少或没有经过七声音阶的训练。遇此问题时，教师要多给学生布置七声音阶的练习，并教会他们控制自然大调中三、四级和七、八音之间的半音音准，使之在听觉上逐渐习惯于接受严格的半音关系的音响，为适应复杂乐曲中频繁出现的半音和变化音做好听觉方面的准备。

总而言之，解决音准问题的关键是认真训练演奏者的“内心听觉”、“音高预示感”和在练习的过程中形成正确的“运动链”，以培养演奏者在控制音准时的责任感和把握性。这需要一定的时间过程，也取决于演奏者对于音准问题的重视程度。听觉越敏锐，技术越熟练，纠正按音不准的过程就越短。当在演奏中一听到不准的音就不舒服并马上去纠正时，音准的问题就接近解决了。

2、节奏不稳定

从根本上说，“节奏不稳定”的主要原因是节奏的感觉不敏锐、节奏律动的感觉不稳定和节拍的意识不明确。在演奏中主要表现为以下三点：(1)奏快板(快弓)时赶拍子；(2)长音时值不够，切分音及连弓中附点后面的音符拍子不充分；(3)节奏忽快忽慢。

“奏快板”(快弓)时赶拍子”这个问题在二胡演奏中较为普遍，主要表现在乐曲的快板中和奏连续快弓时越拉越快(比如在《病中吟》快速的中段和《葡萄熟了》的快弓段落中)。其原因除了节奏感觉方面的因素外，换把的动作不到位、快弓方法掌握的不得当和演奏中两手配合不够默契等都会造成这些现象。解决的办法除了耐心地调整快弓和换把的方法之外，还要采取“慢练”的方式将所奏的旋律分段、分句地练习，其中节拍变化多的音符和换弦频繁的旋律尤其要重点练习。待技术方面有把握之后，心理状态就会更加松弛和自信，这有助于稳定演奏中的节奏感觉。

“长音时值不够，切分音及连弓中附点后面的音符拍子不充分”的问题经常造成拍子不稳定和越拉越快、赶拍子等现象(比如在《红梅随想曲》的bB调快板和《听松》第二部分慢起渐快的快板中)，直接影响演奏的效果。形成的原因主要是内心缺乏明确和稳定的节奏律动感与严格的节拍意识，以至于在演奏中长音的拍子往往不充分、切分音的时值也不够，在连弓中附点后面的音符也总是奏得匆匆忙忙。遇到这些情况时，首先应该仔细分析不同音符的节拍时值，耐心地用“打拍子”、“唱谱子”等方法来调整节奏的律动和节拍变化的感觉。此外，演奏中合理的弓子分配与左指按音时的准确感觉也是保障节奏稳定的重要因素。

“节奏忽快忽慢”的现象主要是由于演奏者内心节奏的感觉不稳定，技术上没有把握造成的。一些学生为了要“拔进度”而一味地拉大曲子，结果由于技术负担过重、力不从心而导致演奏中容易的地方越拉越快，没有把握的地方就不得不慢下来。有的还养成了用脚打拍子的坏习惯，结果越打拍子心越慌，使演奏陷入了手忙脚乱的狼狈境地，节奏反而更加的不稳定。遇此情况首先应该养成良好的、循序渐进的学习方法和习惯，在掌握好各种演奏技巧的前提下注意培养敏锐而稳定的“内心节奏感”。以稳定的心理感觉、自然协调的演奏技巧和鲜明的节奏变化进行演奏。

3、换把动作不协调

一些演奏者在拉琴时换把的动作往往显得机械僵硬和疲软懈怠，这些不协调的动作所产生的后果是按音位置不稳定、音准无把握以及音乐的表情不到位，形成的原因主要是对换把动作的原理不甚明确。有的演奏者换把时以手和手指的动作为主导，结果导致动作笨拙和僵硬，影响了音乐旋律的自然衔接和按音时音准的稳定；还有的演奏者在换把时以手腕的上下凹凸动作为主，不但动作显得机械疲软，而且音的衔接由于过分的粘滞而不连贯，同时在快板旋律中也明显的影响了动作的速度。正确的换把方法应该是以小臂为动作的主导部位、手和手指协同动作，最终以“运动链”式的过渡完成细致的动作过程，使音乐的旋律得已顺利的衔接。

在实际应用的过程中，二胡的换把技巧在演奏中可以分为“技术性”和“表情性”两种。“技术性”的换把适用于较快的音乐旋律，要求动作的过程干净利落、不带或少带滑音。“表情性”的换把类似“绰”和“注”的演奏技巧，分为“首滑指”和“尾滑指”两种，都是用分弓以同一手指在较慢的抒情性旋律中滑动演奏。“首滑指”换把的奏法是将运弓和换把动作同时进行，其效果类似在旋律音的前面加上了装饰滑音；“尾滑指”换把要求在换弓前就完成换把动作，是类似在换把前的音后面加上了装饰滑音的效果。综上所述，在演奏中除了应该解决一般的换把问题之外，演奏者还要认真地学习、研究和掌握“首”、“尾”滑指等其它的换把方式，为更顺畅的演奏和更丰富的音乐表现而努力。

4、换弦技巧不自如

换弦技巧是在演奏中连接音乐旋律的重要弓法手段，它在乐谱中没有任何标记，演奏者只需按照指法按音即可完成。二胡的换弦技巧在连弓和分弓中均可使用，不过在快板旋律中大都使用分弓来演奏。奏分弓的换弦时依右手的运弓动作大致可以分为“手指主动”、“小臂主动”与“指腕结合”几种，有时在演奏前、后十六分音符的旋律中也结合大臂（即上臂）的动作。由于动作的速度较快，如果在换弦的过程中方式不当就会引起演奏动作的紧张或僵持。有的甚至由于心理的紧张而更用力地做换弦的动作，结果使音的衔接在瞬音中断或令旋律的进行混乱不清。其实，只有在乐曲的旋律要求热烈的情绪时（如《红梅随想曲》bB调快板中的连续双弓换弦乐句）,大臂(上臂)的结合才是换弦技巧中所需要的。除了对力度有特殊需要的音乐旋律之外,一般的换弦动作并不需要多大的力度。有时倒是力量小一些右手可以更放松，换弦的感觉也会更敏锐、更轻巧。

此外，除了换弦方式运用的不得当之外，缺乏慢练有时也会成为演奏中技巧运用不自如的原因。一些演奏者在刚刚学会了某种技巧之后就浅尝辄止，不肯再踏踏踏实实地通过慢练来巩固，结果造成演奏中一些技巧衔接过程的脱节，影响了正常的音乐表现。为此，在练习的过程中不但要将换弦技巧“对号入座”，而且要用“慢练”的方法将不同的换弦动作的方式加以巩固。只有重视了每一个技术环节才能做到万无一失，在演奏中获得理想的效果。

5、拉快弓紧张

这个总是是初学二胡的人普遍存在和经常遇到的，它不但直接影响演奏的质量，而且很容易造成演奏者巨大的心理压力和生理方面的障碍。有些演奏者或音乐院校的学生由于“急于求成”思想的驱动，练琴时往往表现得心理浮燥，出现毛草、不求甚解和缺乏耐心等现象。他们一遇到演出、比赛甚至是考试等场合就容易紧张，经常在演奏中打折扣，有时甚至由于快弓方法的不得当引起了演奏中的杂乱无章，从而破坏了整个的演奏。形成的原因主要是快弓方法不得当、演奏时弓子分配的不自然和由此引起的左指按音感觉受到牵制，其后果导致演奏中两手配合不协调。当出现了上述现象时，应首先检查演奏的方法是否正确和松弛，弓子的分配是否合理自然。虽然在实际演奏中每个人的方法不尽相同，但松弛、自然等符合生理规律的演奏方式应该是大家都认同的。我认为，奏快弓时右手的手指应该自然地握住（而不是捏紧）弓杆，结合小臂靠近手腕的部位共同动作，其状态与用较快的速度敲锣时的感觉相似。运弓力度和弓子的分配（运弓部位和运弓范围）一般应根据乐曲旋律的情绪而定，表现轻快的力度也要小一些；表现热烈奔放的情绪时，握弓和擦弦的力度都要适当加大、运弓的部位要靠近中弓，握弓的感觉也要更加稳定坚实。如遇到有频繁换把的快速旋律时，应先以左手的把握性为依据较慢的速度开始练习，待两手配合默契后再逐渐以正常的速度来演奏。有的人演奏连续的快弓比较顺手，但在遇到旋律音符出现频繁的节拍变化和需要连续换弦演奏时就显得不那么顺畅和有把握，甚至有的由于方法不当而引起心里紧张和演奏中的手忙脚乱。遇此情况应该首先解决换弦方法和节奏感觉等方面的问题，而后再调整快弓的方法。同时，平日多做有针对性的练习，对更好地掌握和运用快弓

盲文是由法国盲人路易斯·布莱叶创造的，因此，国际上也把盲文通称为“布菜叶”盲文。

盲文，也叫点字，这是专门为盲人设计的一种文字，它是由点字板、点字机、电子打印机等在纸张上制作出不同组合的点而成的，一般每个方块的点字由六点组成。盲人就依靠触觉来感知这些文字的内容。

盲文是由法国盲人路易斯·布莱叶创造的。布莱叶3岁时因一次事故导致双眼失明，在盲童学校上学时使用的书本文字都是由厚纸或者布条排列成的，使用起来极其费力。小小的布莱叶就暗下决心，一定要发明一种使用比较方便的盲人文字。经过他的精心研究和反复试验，终于发明了点字，即在纸张上扎出许多小点点，然后盲人用手触摸这些凸起的点，以此来判断这些小点所表述的内容。布莱叶的这一发明为盲人学习带来了意想不到的便利。

中国的现行盲文是黄乃创制的。黄乃17岁眼睛受伤，1949年黄乃的好眼也坏了，先后在同仁医院、莫斯科皇宫医院治疗，但均无效。他在莫斯科参观盲童学校时生出了制造适合汉语的盲字体系的想法。

从1950年自莫斯科回国开始，到1953年，现行盲字方案问世。可是现行盲字方案一般不标声调，所以一些简单的句子就因为没有声调而变得滑稽可笑，无从理解。比如这三句话：当翘起了牛屁股的时候；骑上大树，替天行道；深挖洞，光脊梁。其实上面三句话的原意是：当敲起了牛皮鼓的时候；旗上大书替天行道；深挖洞，广积粮。于是，黄乃又用了20年，否定、颠覆了自己创制的现行盲字，在1975年设计出了“双语拼音盲字方案”的雏形，后来不断完善，将国际公认的盲文形式同汉语有机结合起来，形成了《汉语双拼盲文方案》。

琴声倾泻四季美丽

金元辉从1996年就开始弹肖邦这首《即兴幻想曲》。今年2月，他接到了北京残奥会开幕式导演组的通知，他将在开幕式上演奏这首乐曲。金元辉说：“音乐中是春天暖和的日子，夏天的荷叶和蛙鸣，秋季金黄的大地，冬天飘飞的雪花……大地是如此美丽，生活是如此丰富多彩。尽管我完全看不到四季真实的美丽，但可以把自己24年来感受到的季节轮转所带来的生命活力，通过钢琴倾泻出来。”

一岁爱上玩具钢琴

作为中国残疾人艺术团的钢琴家，金元辉从小就和音乐有着奇特的缘分。家在青岛的金元辉出生仅56天就双眼失明，小时候不管多闹，一听到音乐就会安静下来。一岁时，他收到的第一份礼物是一架玩具钢琴，在上面弹奏简单的音符成了他每天最快乐的事。两岁时，父母带他拜师学琴，年幼的他很快就脱颖而出。1990年，6岁的他被中国残疾人艺术团吸收进团。此后，他随团出访了上百个国家和地区，用琴声打动了千千万万人。

学艺过程充满艰辛

在学艺过程中，除了家乡的启蒙老师，金元辉最难忘的是1994年至2000年间，他在中央音乐学院附中学习音乐和文化课的6年：“最初老师们表述的许多音乐画面我毫无感知。后来，老师在回家途中经常闭上双眼行走在盲道上，寻找盲人对世界的感觉，他们用手指在手臂皮肤上移动产生的感觉来让我体会不同的主题。”

2000年，金元辉从学校重回中国残疾人艺术团。广阔的演出空间，给了他更大的平台。残奥会开幕式执行总导演张继钢评价说：“这位完全没有光感的盲人艺术家在钢琴上的弹奏，让人全然听不到一点技术的痕迹，音乐通过他的手指表现得淋漓尽致。他对钢琴的控制，对音乐的艺术感悟，融入的情感等，都达到了相当高的艺术境界。”据新华社电