现实主义绘画(Realism Painting):出现于19世纪40年代的法国。这个流派是使用现实主义艺术创作方法的，现实主义艺术家赞美自然，歌颂劳动，深刻而全面地展现了现实生活的广阔画面，尤其描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时劳动者真正成为绘画中的主体形象，大自然也作为独立的题材受到现实主义画家青睐。

代表画家：柯罗(Camille Corot),代表作：《蒙特封丹的回忆》、《戴珍珠的少女》、弹曼陀铃的女郎》

卢梭（Theodore Rousseau),代表作：《橡树》、《春》、《枫丹白露森林的入口》

米勒（Jean Francois Millet),代表作：《播种者》、《拾穗者》、《晚钟》

库尔贝（Gustave Courbet),代表作：《石工》、《筛麦女子》、《奥尔南的葬礼》、《画室》

杜米埃（Honore Daumier),代表作：《高康大》、《七月英雄》、《出版自由》

巴洛克是十七世纪艺术主流，十八世纪前叶主要以洛可可艺术为代表，十八世纪后半叶至十九世纪初，形成了新古典主义。

巴洛克艺术认为自己是文艺复兴艺术的延续，艺术风格戏剧性，追求的光线不是自然真实的光线，用光线表现气氛和精神气质，以情感人。

洛可可风格源于十八世纪的法国，其风格奢靡华丽、精美浮华，气势不如巴洛克风格，而胜在技法精巧，工艺精制。

新古典主义，强调素描关系而轻视色彩运用，色彩趋于冷色调，强调线条和严谨的外形而排斥渲染和自由的笔法，绘画构图多静态，热衷向往古希腊、古罗马艺术，趋于表现形式而非想象性。

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17世纪～18世纪欧洲绘画艺术

　　17世纪～18世纪意大利绘画艺术

　　绘画大师--卡拉瓦乔

　　17世纪佛兰德斯绘画艺术

　　绘画大师--鲁本斯

　　17世纪荷兰绘画艺术

　　绘画大师--伦勃朗

　　17世纪西班牙绘画艺术

　　绘画大师--委拉斯凯兹

　　浪漫主义绘画先驱--戈雅

　　17世纪～18世纪法国绘画艺术

　　18世纪英国绘画艺术

　　组画大师--霍格斯

　　肖像画家--雷诺兹

文艺复兴时期的人拥有看得见的尘世世界，这在文艺复兴早期的绘画中表现为一种坚定的写实主义。借助于布鲁内莱斯基发现的线性透视，图画获得了真实的立体感；借助于精确研究人的形象，人的形象现在获得了体积；对自然的仔细观察使尘世的各种现象得到了忠实的再现。在写实主义的肖像画中，人终于得到了他身为个体的证明。在菲利波·利比的《圣母子》里，森林景色成为超自然事件的浪漫而适意的布景，鲜花覆盖的林地就是脸色红润、光着身子的幼儿耶稣的卧处。利比在意大利第一个把圣母像的题材人格化了——圣母玛利亚是个年轻漂亮的女人，而耶稣基督则是个吸吮拇指的婴儿。 在文艺复兴盛期，这种贴近自然的写实主义发展成了一个理想的现象世界。通过匀称、温暖的色彩，通过有一个对称轴的角锥形构图，通过景色与人物的紧密结合，拉斐尔首创了那种充分和谐的图画结构，使主题和形式的要素从属于一个美的永恒法则。达·芬奇也在他画的《圣安娜与圣母子》里采用了三角形构图，一种从脸上也从四肢产生的神秘运动把他的人物形象结合在一起。不过，这种运动完全局限于组像上。就像拉斐尔那样，景色也不再是玻璃式的广阔，而是一种纯粹为了烘托绘画氛围的布景了。这种色彩透视（颜色随着距离增大而愈益模糊）和尼德兰人发现的空气透视（颜色随着距离增大而变得更蓝），又被达·芬奇用他那著名的渐隐法加以补充了：轮廓不再是坚实的线条，而是柔和的“烟雾式”过渡。 从16世纪中叶起，意大利的样式主义以一种令人激动的、有时是吓人的戏剧性来对待这种理想主义，以适应宗教改革后变化了的思想政治形势。在丁托列托画的《劫持圣马可尸体》中，地板纵接缝处以及拱廊之间距离的极端排列，创造出一种过分的空间间隔，像那阴森的光线和暗淡的色彩一样，赋予画面一种危险的氛围。格列柯画的《托莱多风景》也完全不是对现实的描摹。冷色调和支离破碎的色块，产生出一幅在上帝的闪电下战栗的尘世苦海的幻景。在大教堂与要塞旁边，耸立着一座山的被照亮的山顶，宛如一个新的各各他。 欧洲北部在建筑和雕塑领域里对文艺复兴艺术贡献不多，但是在绘画方面却创造了独特的表现形式。在新时代开始之时，早期的尼德兰人（如凡·爱克和韦登）找到了一条通向写实主义之路，甚至连意大利人也对此十分重视。但是在15世纪末，意大利的线性透视对阿尔卑斯山以北地区的艺术活动影响渐增。在梅姆灵画的《神庙里的景象》中，那幢哥特式建筑让人看出画家已熟悉了意大利人创造的线性透视的规则。画面上的人物形象还不具备个性特点，他们是理想的典型，就像哥特晚期的造型艺术那样。在康拉德·维茨画的《十字架上的基督》中，人物形象与画面之间也有一种相当类似的不一致。在有草地、山岭、湖泊以及远方闪耀着柔光的天空这一幅广阔的风光布景之前，是心情沉痛的十字架群像，似乎他们与周围环境毫无因果关系。衣服的强烈色彩与风景的柔和而相融的色调表现出真正的矛盾。 一直到丢勒生活的时代，欧洲北部的造型艺术才摆脱了哥特式传统的束缚。丢勒本人认为，通过与意大利绘画和尼德兰绘画的讨论，受了人道主义的影响，他才达到了写实主义。他的《自画像》里那种批判的目光，是在对自身进行分析；他所熟悉的阿尔卑斯山景色，以其地形地貌的准确在当时无疑是令人惊叹的。 最后，小汉斯·霍尔拜因使真实可靠地描绘人的艺术获得了一种独立性，从而获得了一个独立画种的地位。丢勒在他的作品里更注意把握好对象的心理表达，而霍尔拜因与丢勒不同，是从具体化的距离来观察他的模特儿的。他大多是画他们的脸的四分之三部分，通过描绘衣服和首饰的华丽来表现人物的外貌。后来英国的社会画派，就是与霍尔拜因这种有代表性的绘画风格相联系的。

巴洛克是17世纪艺术主流。

意大利卡拉齐，西班呀委拉斯凯恣为主要代表任人物，巴洛克塑造人物讲究威严雄浑。是一大艺术特色。

法国，由于路易十四统治者，倡导古典主义绘画的拉非尔学院派，艺术特色为古典主义。代表为普桑。

荷兰最先走上资本主义道路，新兴的资产阶级思潮的影响，反映在市民艺术上。多风俗画，肖像画。代表伦拨朗等。

“巴洛克”一词源自葡萄牙文，原意指贝壳不规则的、怪异的形状。一开始主要针对17世纪意大利的建筑风格而言。

从18世纪中叶，巴洛克一词开始在欧洲艺术史的艺术批评中被使用。当时认为那种浮华的、装饰性的、光怪陆离的风格，

对于追求古代艺术的质朴、静穆、严谨的文艺复兴艺术来说，是一种退化和堕落。“巴洛克”这个词在音乐史上则用

来代表16世纪至18世纪中叶这段时期的音乐。

直到19世纪末，德国艺术史学家／／．韦尔夫林才对这一历史时期的所谓巴洛克音乐，作为一种艺术潮流给予肯定

和评价。他将这个时期的造型艺术和音乐艺术在风格上进行了比较研究，并用巴洛克这个概念来概括这个时期的音乐风

格特征。这个提法得到许多音乐史学家的承认。巴洛克音乐作为音乐史中一个特定的风格时期被确定了下来。

这一时期的代表人物有意大利的斯卡拉蒂；法国的拉莫、库普兰，英国的亨德尔(德国人)；德国的巴赫。

巴洛克时期的音乐风格特征，由于欧洲各主要国家经济发展上的不平衡，和各民族的不同的文化传统，呈现出复杂、

纷繁的状况，各有自己的特点。但在这loo多年间，作为一个特定的音乐历史发展阶段，在音乐技法上、风格上也存在

着许多共同点：

1．大、小调体系取代了中世纪的教会调式体系，转调极为普遍，数字低音得到了广泛的使用，不协和音的处理

极为自由；

2．二部结构的音乐原则具有一定的普遍性，两部分相似的音乐材料使两个部分之间在运动、织体上浑然一体，

以体现比较单一的情感色彩；

3。富于流动的旋律性，以对位的手法不断加以发展。持续不停的节奏运动，虽缺乏起伏性变化，但在各段落之间

确已形成强弱、刚柔的对比关系；

4．清唱剧、康塔塔已具备经典形式，歌剧、组曲、奏鸣曲、协奏曲等初步成型

另外推荐你一个名为Landmarks Of Western Art的片子中文名叫西方艺术史,在纪录片之家应该就能下载到,里面讲的比较全面从后中古时期到后印象派几乎囊括了各主要时期的代表人物和作品